Dos dúos

Viernes 17 /Oct. - Bodega del Auditorium- Ernesto Snajer y Luvi Torres

Sábado 18/Oct.- Alianza Francesa - Victoria Gianera y Julia Sanjurjo

Fue una coincidencia que en el mismo fin de semana se presentaron dos dúos, que aunque abordaran géneros distintos, tenían el mismo formato de instrumentista y cantante.

La Bodega del Auditorium estaba colmada el viernes pese a la poca difusión. Por cierto que era un regalo poder escuchar a este dúo gratis, gracias a la gestión de Fernando Rodriguez de la Secretaría de Cultura de la UNMDP.   La propuesta podría enmarcarse dentro de un post-folklore, aunque quizás mantenga vigencia aquella denominación del Chango Farías  Gomez de música MPA (Música Popular Argentina) Ernesto Snajer  ha desarrollado toda una técnica en el uso del sonido procesado pero con una economía y discreción que lo deja a salvo del mal gusto. En los momentos en que encara un solo improvisado despliega un fraseo ágil y fluido.

Luvi Torres luce en el escenario casi frágil y etérea, pero su gesto musical es fuerte, y su voz tiene una cualidad terrosa que sorprende. Se acompaña frecuentemente con bombo y caja peruana, y tiene esa cualidad espontánea de los talentosos. Parece muy joven. Se me ocurre que con un poco de maduración podrá lograr la participación del público de un modo   menos escolar, y ya no necesitará enfatizar la simpatía que posee naturalmente

El sábado en la Alianza Francesa fue ocasión de escuchar música más académica, dentro de los parámetros inaugurados  en el Siglo XX . Allí los compositores fueron Gandini, Debussy, Ives y Messian. Toda una fiesta para quienes tenemos interés en escuchar música más cercana a nuestros tiempos.  El apellido Gandini me genera reverencia. Dos hermanos, ambos geniales,  bifurcaron en músicas y vidas totalmente opuestas.  Se escuchó una obra de Gerardo, el músico formal y vanguardista.  Composición que parecía una sucesión de intervalos que por su lejanía resultaban difíciles de reconocer, dificultad incrementada por zonas de dudosa afinación del piano de la Alianza.  Luego los Images de Debussy. Compuestas mucho antes (1905) que la sonata de Gandini, daría la sensación que la música del francés añeja mejor. Por el programa de mano supimos que Alicia Gianera nació en 1995, dato que resulta algo perturbador (el año en que Gandini compuso su sonata)...a los 19 años, semejante maestría intimida.

Charles Ives y Olivier Messiaen proveyeron el material que abordó Julia Sanjurjo. Ahí se pudo apreciar. en el marco más adecuado, la formación musical que hace que nos haya sorprendido tanto cantando standards. No es justo decirle que abandone el campo de lo llamado "popular", pero, ¡que placer es escuchar su solvencia para interpretar música que no perdona la impericia!.  Igualmente voy a hacerle una pequeña crítica. Su pronunciación es tan buena que genera un efecto paradójico: magnifica los pequeños errores de dicción, al menos en inglés. No puedo opinar del francés, soy lego, pero me pareció convincente.

El polo opuesto

10 de Octubre - Bar La Guagua - Pablo Ledesma (spr.sax) / Martin DeLassaletta (db.bass)

El horario que siempre me pareció más apropiado para tocar es el de la tardecita...y creo que debería ser el más conveniente para un público más interesado en lo artístico que en lo social. Pero no eran las 7 pm (cuando se había convocado a las 6 pm) y no había más que un puñado de amistades en un bar que ni siquiera había abierto a la hora anunciada. Eventualmente arrancó el set, y entonces sólo fue importante la música. Aquí el modelo fue diametralmente opuesto al que ocupó mi post anterior.

Pablo Ledesma hace tiempo que ocupa un lugar importante en la escena del improv , trascendiendo nuestras fronteras, ya que participa con los principales referentes de la escena europea. Según cuenta, el movimiento se encuentra en cuarto menguante en europa, aunque está lo suficientemente establecida como para mantener un nivel de actividad que lo mantiene vigente. Pese a sus variantes, sigue siendo una escuela que contradice radicalmente el gusto corriente, y requiere del auditorio una escucha activa. Si la expectativa es adocenarse en una referencia a lo conocido y habitual, lo único que puede producir es rechazo.  

El dúo de saxo soprano y contrabajo también presenta  una aparente contradicción. Se trata del instrumento más pequeño de las cañas, con el más grande de las cuerdas.  Pero el contraste tímbrico que implicaría complementación entre agudos y graves, se complejiza cuando los sobretonos que puede producir el saxo soprano se entrelazan con los armónicos que puede  generar el noble gran encordado.

Pero lo importante a destacar en un dúo semejante, es su forma de dialogar. Martin DeLassaletta es un artista. Agrega sensibilidad a cualquier contexto en la que participa, pero es en la improvisación libre donde muestra su mayor flexibilidad.  Aún utilizando los recursos más extremos en términos de técnicas extendidas, no se pierde en un devaneo individual, sino que siempre está conectado con el acontecer compartido.

Los sonidos se cruzan, se separan, se juntan en una danza que genera imágenes coreográficas. A veces hay una distancia máxima en lo que cada gesto propone, y otras veces se coincide en sincronía. Es interesante que el dúo no se encierra en una premisa dogmática que puede prevalecer en este tipo de música, como la de oponer sistemáticamente lo que propone el otro. Hubo momentos en que se tocó dentro de un marco totalmente tonal, melódico incluso. El instrumento intervenido de Martín podía estar susurrando de un modo casi a-interválico, mientras el frulatto de Pablo acompañaba como si fuera un de palo de agua. Había entonces un encuentro que conciliaba con la expectativa común.

Ahora bien, está establecido que la música improvisada ya no se siente tributaria del jazz, aunque la  consigna de la improvisación los sigue emparentando. ¿Cuál es el obstáculo que me impide abrazarlo como mi modo de interpretación excluyente?- Un problema es que es heredera de una tradición estrictamente occidental y europea. Podrá aludir a otras músicas del mundo o étnicas, pero quiebra el eje que une al jazz con África. Hay una prescindencia del pulso. Podría decirse que el oyente puede generar la percepción de una suerte de supra-pulso, como una corriente subterránea que no se explícita, pero eso exige del receptor un ejercicio intelectual. Hay una disociación típicamente eurocéntrica con el cuerpo. Por supuesto que hablo de mi sensibilidad personal. Nada invalida las múltiples formas en que puede concebirse la música. 

  

Música a la carta.

4 de Octubre - Calle Melancolía Bar Cultural, Tandil - Fernado Ceroli -"Música a la carta"

Aprovechando una escapada de fin de semana a la ciudad de Tandil, tuvimos  oportunidad de ir a escuchar a Fernando Ceroli, que actuaba en la ciudad que lo vió nacer.. Fernando es un viejo amigo que conocimos en tiempos de la Facultad de Psicología. Su historia es curiosa. Se recibió de psicólogo sobre el final de los '70,  en los tiempos bravos en que la carrera vió su cierre. Nunca quiso ejercer, prefiriendo combinar su actividad de guardavidas con las de vendedor de libros. En los comienzos de los '80, cuando todavía regía la dictadura, decidió irse del país.. Había estudiado piano de chico, aunque no había tocado mucho desde su adolescencia. Recaló en Mallorca, donde empezó tocando con grupos pero gradualmente fue adaptándose al mercado turístico y presentándose solo con sus teclados. Poco a poco fue adquiriendo las habilidades de piano bar y convirtiéndose en un maestro del género. Finalmente se estableció en el mercado de los cruceros de lujo, actividad que continuará un tiempo, aunque pareciera que de a poco quisiera ir regresando a nuestras costas y establecerse en Mar del Plata. Ahora cuenta con un repertorio inmenso...en un número que supera el mil, y que ofrece a sus oyentes a modo de menú para que elijan la canción o el género de su elección. 

La noche se presentaba fría y lluviosa en Tandil, pero poco a poco el bar se fue poblando de público. Arrancó con dos temas de Morton, como gesto de cortesía por nuestra presencia, pero luego se paseó tocando y cantando por donde lo llevó el capricho del público. Pudo satisfacer los pedidos más inverosímiles, y  por lo tanto generaba un clima participativo y festivo, donde algunos bailamos y todos cantaron. O sea la estrategia opuesta a la que empleamos los jazzeros, especialmente los que gustamos de someter a los que nos van a escuchar con nuestras extravagancias experimentales. Todo bien, es una forma necesaria de ejercer el arte....pero después no nos quejemos de que no ganamos un mango. Es una elección, y conlleva la responsabilidad de asumir su costo. Me niego a hacer una defensa romántica de nuestra postura. Al mismo tiempo sepamos valorar el oficio de quien se gana la vida dignamente con la música popular, y que lo hace con destreza e inteligencia. 

Kenny Wheeler RIP

Conservo esta imagen, como si fuera ayer, de una tarde en Londres, hace unos 25 años. Un pub suburbano, un lugar nada especial, con un ciclo organizado por un guitarrista poco talentoso pero obstinado en generar ocasiones para tocar con músicos importantes. Ese día el convocado era Kenny Wheeler. Siendo poco presuntuoso no desestimó la invitación, y de todos modos era en el sector este de la ciudad, no demasiado lejos de donde vivía. Entonces atravesó la primera parte del un set de standards previsibles y remanidos. Que el grupo anfitrión fuera mediocre, no impidió que él pudiera agregar su toque de maestría. Su sonido inconfundible, dulce pero preciso, su construcción melódica siempre aparentemente sencilla pero informada de su rica concepción armónica.Un ataque delicado, y en medio de un valle del solo en que parecía ralentizar su fraseo, un agudo imprevisible y desgarrador. Su despliegue técnico siempre desprovisto de espectacularidad. Si repentinamente alcanzaba un registro casi imposible para el instrumento, sólo lo hacía por una necesidad discursiva, nunca para exhibir destreza.

Y ahí estaba, acodado en la barra, tomando una pinta mientras que alguno de los punteros le daba charla. Y yo sentado en la mesa, sintiendo embarazo y vergüenza por mi deseo de acercarme y hablarle, y no teniendo el coraje de hacerlo. 

Se ha muerto mi ideal de músico. Tenía 84 años....creo que una buena vida. Al menos era respetadísimo por el ambiente musical europeo. Nada dura para siempre...su partida me lo recuerda con un golpe que no deja de tener cierta crueldad. Chau Kenny...gracias. Aún sin conocernos, te he querido.

https://www.youtube.com/watch?v=RBRumrdDil8

https://www.youtube.com/watch?v=F5ZjcLkaTmg

Tolstoi y el jazz tradicional II

Apenas habría cumplido los 16 años cuando me condujeron a la mesa de un bar porteño a conocer a Guillermo Forn y Puig, el "faraón" de la Guardia Vieja Jazz Band. Ahí recibí la bendición de poder empezar a ensayar con aquella histórica agrupación. Pero había otra figura fantasmática que sobrevolaba la escena de los jazzeros tradicionalistas. Se trataba de Kacho Rodriguez Jurado, el mítico iniciador del movimiento, a quien también me presentaron al poco tiempo, creo que en un bar de Belgrano. Él estaba de visita en Bs. As, ya que se había radicado en Mendoza, donde también había inducido al estilo primigenio a los músicos del Mendoza Hot Jazz Band. Para mi frágil adolescencia era como que me expusiera a la presencia del Papa, o de un gurú sagrado de la India. El próximo encuentro con él fue en 1972, cuando se apareció en Mar del Plata con un remanente de la GVJB y su Omega Brass Band. Ese evento marcó lo que se llegó a llamar la "segunda ola" del movimiento marplatense. 

Kacho se llamaba así, con K, por sus antecedentes de boxeador. Entre sus complejas contradicciones, había practicado ese deporte cuando pertenecía a una familia patricia. Podía combinar expresiones de extrema ternura, con reacciones violentas. Fueron épicas sus disputas con los modernistas que crearon el Bop Club, con quienes podía llegar a las trompadas. Su personalidad tenía una cualidad fascinante, con la que ejercía toda la persuasión que emanaba de su carisma. Así convenció a toda una horda de jóvenes músicos que debían buscar las fuentes del "verdadero" jazz, y repudiar las expresiones decadentes de los vanguardistas. El "falso" jazz se habría impuesto a partir del año 1930, al abandonar sus raíces, la negritud, el espíritu colectivo, la sencillez. Louis Armstrong inicia la degradación de los orígenes al privilegiar a la figura del solista y el virtuosismo individualista. 

Combinaba su profesión de asistente social, con la de su militancia religiosa como pastor evangelista.  Su acción se fundaba en el pensamiento de Leon Tolstoi, con la que alineaba tanto su labor religiosa con su trabajo profesional, y su estética. El jazz debía permanecer sencillo, cerca de los spirituals y los blues en tanto manifestaciones del pueblo, y en particular del pueblo afroamericano oprimido. Esto lo conducía a interesarse en lo que llamaba el "pre-jazz", con un vector que apoyado en el folk negro, apuntaba hacia el África.  Tal como predicaba el escritor ruso, los valores de la música tenían que emanar de la sencillez del pueblo, y expresar ideales cristianos. De ahí que a su regreso a Buenos Aires, creó la Omega Brass Band, banda  que rescataba los spirituals convertidos en música callejera, que podía contagiar entusiasmo por donde apareciera espontáneamente en plazas o paseos. Además combinaba sus presentaciones con el trabajo social, porque el arte, el "verdadero arte" no debía ser "arte al pedo", sino que tenía que servir a un propósito superior.

Recuerdo a Kacho con aprecio, respeto y cariño. Por cierto que le debo agradecimiento. Pero desviarme de su dogmatismo tuvo todo el peso de caer en el pecado. Hoy puedo apreciar su legado, a la vez de entender porque tuve que liberarme de su influencia, como lo tiene que hacer, de algún modo, todo hijo de su padre. 

Tolstoi y el jazz tradicional.

 El pensamiento de Tolstoi tuvo que ver con mi iniciación en la música en mis tiempos de adolescente. No porque lo hubiera leído, cosa que recién pude hacer ahora, sino por mediación de un líder al quien se le puede adjudicar en gran medida el movimiento de jazz revivalista en Buenos Aires en el transcurso de la década del 50 y que se prolongó durante los '60. Repasemos algunas de las características del pensamiento del escritor ruso que legó a la literatura obras cumbre como Ana Karenina, y La Guerra y la Paz.

Fue un personaje carismático. Hasta hoy en día hay quienes se enrolan en su pensamiento y que se consideran seguidores. Su obra que fue acuñada en la última parte del siglo XIX, prolongandose al siglo XX. Dotado de una personalidad dominante, su fuerza puede apreciarse en el estilo persuasivo de su escritura. Caracterizado como anarquista, representó una suerte de gesto contra-cultural para su época, atacando sobre todo a las instituciones formales del estado, y en particular, a la iglesia. Eso en combinación con una adhesión al cristianismo originario y a una religiosidad que se incrementó hacia el fin de su vida. Pero su crítica no se escapa al gesto dogmático de aquellos a quienes atacaba. Declarándose a favor de los pobres y de la "gente sencilla" se erigía en vocero de lo que él creía que eran, o debían ser, sus gustos. Así distinguía tajantemente entre el "verdadero" arte, de lo que llamaba "falso" arte.

El primero, debía ser fácilmente comprensible por el pueblo, y por lo tanto rechazaba casi todo el movimiento artístico de su tiempo por ser apreciado solamente por unos pocos, una elite, y en general por las clases altas. El arte no podía abstraerse de los valores de union, paz y hermandad universal, y cualquier desvío de esos propósitos explícitos se convertían en muestras perniciosas de egoísmo y vanidad. Así, la 9vna sinfonía de Beethoven, a pesar de su apelación a esos mismos ideales en su oda a la alegría, era descartada como una obra corrupta, aburrida, llena de vericuetos abstrusos que alejaría a un público popular, que sólo podía ser explicada como producto de un compositor sordo.

Es interesante ver como la intención libertaria y humanista de Tolstoi se transformó en todo lo contrario.

En su Rusia natal influyó a los revolucionarios, y sus dictados sobre el arte se transformaron en la estética del realismo socialista, que en el apogeo del stalinismo sofocó a los creativos rusos, obligó a Shostakovich a retractarse de su propia obra, y sometió al pensamiento y a la cultura a los dictados del Gulag y  sus campos siberianos de trabajo forzado.

O sea, la consecuencias extremas de la subjetividad moderna, al entronizar al Yo, identificado con la Razón, y erigiéndose en  faro de las Luces.

Volvemos a Buenos Aires en la próxima.

Tolstoi y la música

En la entrada anterior cité las opiniones de un músico ficcional, acerca de la música contemporánea.  (La suerte del personaje en la novela no es envidiable. (Muere envenenado por su mejor amigo, al que él a su vez también asesina del mismo modo).

Hace unos días llegó a mis manos un viejo ensayo de Leon Tolstoi llamado ¿Qué es el arte? de 1897. Transcribo un párrafo en la que hace un comentario sobre la música de su época, la que para para él , era"moderna"

"Un músico de renombre  se sienta ante vosotros al piano y toca algo que dice ser una nueva composición de él mismo, o de uno de los músicos modernos.  Le oís producir sonidos extraños y fuertes, admiráis los ejercicios de gimnasia realizados por sus dedos, y veis, además, que tiene la intención de haceros creer que los sonidos que produce expresan diversos sentimientos poéticos del alma. Su intención es evidente; pero  ningún sentimiento, como no sea el de una fatiga moral, despierta en vosotros. La ejecución dura mucho rato, o por lo menos, os lo parece, quizá porque no recibís ninguna impresión preciosa. Se os ocurre, entonces, que quizá todo aquello es una broma, y que el artista, para probaros, deja correr al azar sus dedos por las teclas, esperando que caeréis en el garlito, y podrá burlarse después de vosotros. Nada más equivocado. Cuando por fin termina el trozo, y el músico agitado y sudoroso, se levanta del piano , solicitando de un modo manifiesto vuestros elogios, tenéis que reconocer que todo aquello está hecho en serio., Esto sucede  en todos los conciertos  en que se tocan trozos de Listz, Berlioz, Brahms, Ricardo Strauss y los innumerables compositores de la nueva escuela."

No se salva nadie. Y sus opiniones, con más de 100 años de diferencia, no son muy diferentes de las del personaje de McEwan.  Para la próxima, ciertos efectos de las opiniones de Tolstoi.

Música contemporánea.

En la novela "Amsterdam" de Ian McEwan  uno de sus protagonistas es un compositor, a quien el autor le otorga el nombre imaginario de Clive Linley. Según el relato, ha  obtenido reconocimiento por el público en general, a partir de haber musicalizado en su juventud, una película de éxito. Pero también ha ganado popularidad por un circuito menos masivo pero igualmente numeroso, por sus obras "serias" que resultan  más accesibles que las del canon académico de la llamada "música contemporánea".  Algunos críticos lo denostan por ser "un conservador". Traduzco un párrafo en las que reflexiona mordazmente, intentando defenderse de sus detractores.:

"Para Clive Linley el asunto era simple. Se consideraba como el heredero de Vaughan Williams y consideraba irrelevante la calificación de "conservador", un término erróneamente tomado de la política.  Además, en la década de los '70, cuando recién se lo empezaba a conocer, la música atonal y serial, electrónica, aleatoria etc. la desintegración de los intervalos, y en general todo el proyecto modernista, se había convertido en la ortodoxia enseñanda en las universidades. Seguramente sus promotores, más que él, eran los reaccionarios. In 1975 había publicado un libro de 100 páginas, que como todo buen manifiesto, era a la vez un ataque y una apología. La vieja guardia del modernismo habría encarcelado a la música en la academia donde había sido celosamente profesionalizada, aislada y esterilizada, su pacto vital con el publico general roto arrogantemente. Clive relataba sardónicamente un "concierto" muy publicitado en una iglesia semi-desierta, en que las patas de un piano eran golpeadas repetidamente por un violín roto durante más de una hora. Las notas del programa explicaban , además de hacer referencias al Holocausto, porque ninguna otra forma de música era viable en esta etapa de la historia de Europa. 

En la mente pequeña de los fundamentalistas,  insistía Clive, cualquier forma de éxito, o de apreciación pública, era un signo seguro de concesión y fracaso. Cuando se escribiera la historia definitiva de la música del siglo XX, los triunfos parecerán pertenecer a los blues, el jazz, el rock y las formas constantemente evolutivas de la música folklórica. Estas formas  demostraban ampliamente que la melodía, la armonía y el ritmo no eran incompatibles con la innovación. En música de arte, sólo figuraría la primera mitad del siglo, y de entonces, sólo algunos nombres se salvarían, entre los que Clive no incluía a Schoenberg..." y los de su barra".

Que feo.....pero debo admitir que a veces uno piensa así.  Veremos como sigue la novela....

Retomando.

Las entradas en este blog se han espaciado. Una causa fue que tuve que dedicarme  intensamente a mis otras actividades. Son rachas, la música es un lujo de la que a veces me puedo dedicar más, otras veces menos. Con un poco de suerte podré volver al ruedo ahora.

Igualmente hubo desde junio hasta ahora algunos sucesos. Recuerdo ahora el homenaje 2014 a María Lozzi, que se repitió este años siempre por iniciativa del titiritero Pepe Garcia. Esta vez no quise molestar a otros músicos que quizás no tuvieron la misma deuda que yo con ella. De modo que me calcé el mameluco y hice un corto solo set/performance que completé con la participación de los títeres de Pepe. Hubo algunas fechas del quinteto que se completa con Fede Viceconte, Barto Camus y Lucho Monte en el Bar Barcelona, quizás intentando sin lograr del todo, cubrir el hueco creado por el cierre de Rondó. 

Un resultado divertido de la actividad del quinteto es que se le fue creando un nombre: ahora se llama genéricamente  "Los Carlitos" aunque todavía hay debate acerca si debería escribirse "Lo Carlitos" o "Los Carlito" o "Lo Carlito". Alguna de estas variantes será adoptada finalmente.

Hubo una fecha reciente (1ro de Agosto) en Cantalao en Camet Norte, compartida con el otro grupo en el que persisto: el "Jelly Roll Trío". Debo decir que la combinación algo disímil entre un grupo ultratradicional y otro que toca bop deforme resultó bastante entretenido, y el público pareció disfrutarlo. O al menos eso dijeron algunos. 

Tristes Despedidas

El cierre del bar Rondó marca el fin de un ciclo que quedará en la memoria de muchos, y seguramente en el mío propio. Si bien yo no era un participante demasiado asiduo de los jam's , concurrí un número importante de veces, participé de las aperturas, y recuerdo algunas sesiones donde se respiró el ardor del jazz en su fragua: la improvisación original y espontánea. Fueron varios años, no sé cuantos en las que se sostuvieron dos sesiones de jam session todas las semanas. A pesar de los inevitables malentendidos y momentos de desencuentro que se pueden producir en un período tan largo, sus dueños, y en particular Quique,  siempre mantuvieron una actitud amistosa y de apoyo al movimiento musical que se generó. Ahora habrá que esperar que se abra otro lugar que refugie al movimiento.

Hoy tomé conocimiento de la inesperada muerte de Irena Baxi. Fotógrafa, experta culinaria y políglota, llegó a Mar del Plata hace unos cuatro años junto a sus padres y hermanas de Macedonia, luego de haber transitado por otros lugares de Europa. Con su hermana Kristina frecuentaron el ambiente del jazz. Irena documentó con sus fotos a muchos de nosotros e imágenes de los festivales ICM. En alguna oportunidad tocamos en el restaurant familiar "Fábulas", fechas que hicimos más por la afinidad amistosa que por otra cosa. La pérdida de una persona tan preciosa a los 31 años nos sume en el dolor y la perplejidad. Esperemos que la familia Atanasoska pueda recuperarse de lo más álgido del dolor y continuar su vida en este país y nuestra ciudad donde se los valora y se los quiere.

Jazz en Abril 2014

Hubo un tiempo en que para mí la llegada del festival en el mes de Abril era más importante que Navidad. Es que luego de 26 años...o ediciones (no lo sé muy bien porque hubo algún año de crisis en que no se realizó), se instala una tradición que es casi como la de un cumpleaños familiar.

Ha cambiado de carácter en el transcurso del tiempo. Como una estrella que pasa por fases, las han habido capítulos explosivos, mega festivales, luego versiones más humildes, y luego otras de un tamaño respetable pero manejable. También ha atravesado diferentes perfiles estéticos. Hubo ocasiones en que concentraba el elemento más "moderno" del espectro, y otras en las que convivieron  lo tradicional con lo experimental extremo. Con el tiempo fué estabilizandose alrededor de una tendencia mainstream, y ahora pareciera inclinarse a un perfil clásico- tradicional.

En lo organizativo se inició, al menos pretendidamente, como un ejercicio colectivo en la que colaborábamos el conjunto de los músicos. Luego la dirección se fue concentrando en una mesa chica de organizadores, con la cual yo me peleaba casi siempre. Hoy su conducción se reduce a una sola persona ; Oscar "Ferio" Espinosa. Con el cuero duro de un árbitro de rugby,  asume todos los riesgos,  todas las decisiones, y todas las consecuencias que se desprenden de este modelo de conducción. Implica recibir algún elogio y reconocimiento, pero también cargar exclusivamente con los odios, resentimientos, reproches y todo tipo de inconvenientes que surgen inevitablemente. A eso se suman las resistencias de algunas instituciones marplatenses, como el prebendario sindicato de músicos, que no se privó de denunciar la presencia del invitado  norteamericano Jon Seiger a la delegación local de Migraciones. En fin, las miopías de una ciudad que no llega a comprender el valor de un esfuerzo alimentado por el amor amateur de los aficionados locales, y de sus invitados. 

La cosa es que nos guste o no, si no es por Ferio, el festival no se hace. Los demás descansamos cómodos con ese arreglo. 

Lo único que le reprocharé (al pedo) a mi muy querido amigo gorila vegetariano es con respecto a una de las cosas que sigue siendo para mí lo más valioso del festival: el parade. Parade significa desfile, y su versión jazzera original que es caótica y espontánea pertenece a la calle. Subirla a un camión con acoplado lo aleja de lo más vibrante que es el contacto inmediato con la gente. Por suerte hubo un momento en que los músicos se bajaron de la carroza y se pasearon un poco por el escenario de la Plaza del Agua. Creo que es el momento que la ciudad identifica con el festival, y aparte de su puro valor promocional, es un acontecimiento cultural que ojalá dure para siempre.

En fin, no sé si es el viejazo, o una predisposición melancólica, pero la verdad es que ya no aporto con la misma energía que antes. Igualmente me alegro que este año se repitiera lo que para mí es una ceremonia esencial. 

Borde cortante

30 de Marzo- Rondó Bar - Bubu Cuarteto- Conjunto DeLassaletta- Julián Maliandi Cuarteto 

Triple programa en la inhóspita fecha del domingo, reuniendo tres grupos que están produciendo música propia en nuestro medio. Los músicos que lo integran se intercambian en muchos casos, y a su vez forman otras agrupaciones que mantienen actividad estos días. Lucho Monte (drs) Barto Camus (db bass) y Fede Viceconte (tr sx) y Nacho Mascarenhas (gtr) forman el Bubu 4t. Nacho también forma el trío que presentó Martín DeLassaletta junto al baterista Leo Osenda, y el grupo de Julián Maliandi incluyó a Lucho Monte, Fede Viceconte y a Nico Passetti (db.bass)

Martín DeLassaletta comentó que todos ellos vienen tocan regularmente en los jam sessions de Rondó (se dice que el Bar Rondó tiene que cerrar sus puertas en Mayo) pero al agruparse en combos, empiezan a producir su propia música. En esta fecha se presentaban estos tres conjuntos, pero en realidad, la maduración de la joven guardia del jazz en Mar del Plata está haciendo que ya haya otros grupos que están en la mism fase: la de la creación de música original.

Me costó aventurarme un domingo a la noche a desafiar el mal tiempo y la noción de tener que madrugar al día siguiente, pero valió la pena ir. Los tres grupos me impresionaron por la calidad de su música, y comprobé que se está haciendo jazz de la misma calidad de la que escucho por mis radios internacionales on-line.

El "cutting edge" es la forma en que hoy se está ejecutando jazz en el mundo. En distintos momentos de mi vida me enamoré de estilos diferentes, pero hoy, debo admitir que es el modo que más me satisface. Se lo puede definir como jazz con un gesto de vanguardia, pero no totalmente volcado a la falta de forma, sino por el contrario, rescata la composición, que reinstala la forma melódica, ya fuera en forma lírica, irónica, humorística o compleja.  La improvisación se mueve dentro de parámetros de una armonía que puede ser muy sencilla...lo que no quita que también pueda haber aventura armónica, o  momentos de improvisación libre, e introducción de métricas inusuales. Esto implica que el músico debe disciplinar su creatividad, sin que se vea constreñido a limitarse a moldes viejos y conocidos. Por el otro lado se evita el aburrimiento que puede producir el expresionismo free a ultranza que puede ser interesante por momentos, pero que suele ser más divertido para los que están tocando que para los que lo escuchan. 

Espero con interés futuros recitales de este nivel. 

De qué nos salva la música?

La música, su apreciación, o mejor aún su práctica, ¿mejora a las personas?. Hace poco hice un post en facebook con un documental presentado por Wynton Marsalis donde se defendía el poder educativo de la música y su capacidad para rescatar a una minoridad  desventajada. Mi propio hijo tuvo su iniciación en los programas escolares gratuitos de UK, y no le ha ido mal. Pero no es un buen ejemplo, porque pese a que éramos exiliados en esa época, no podíamos considerados de ninguna manera excluidos de la sociedad que nos albergó. Y si, yo creo en el valor de los programas de orquestas juveniles que tuvieron origen en Venezuela, y que hoy tienen alguna inserción en la Argentina. Pese a que todos los que participan de esos programas no podrán seguir una carrera profesional en la música, por cierto que les dará una visión diferente sobre la convivencia, la autodisciplina y la posibilidad de obtener logros que difícilmente aprenderán de otra manera de sus entornos. 

Pero continúo con la duda.  Muchos de nuestros héroes musicales no fueron grandes ejemplos de vida.

Se dice del pobre Charlie Parker que era una alma bondadosa, dotado además de su talento musical con una inteligencia notable, que le permitía comentarios agudos y repentismos similares en cierta forma a sus improvisaciones musicales. Pero la música no lo salvó de una degradación trágica. Leer la autobiografía de Miles Davis me dejó con la impresión de un personaje hosco y conflictivo, pero débil en el fondo, que vivió siempre a la defensiva y penando por las malas relaciones con sus colegas y mujeres. Muchas veces sus opiniones me parecieron mezquinas y arrogantes, aunque nadie puede discutir su genio en términos de su evolución musical. (Bueno, en realidad si se podría discutir...yo nunca me concilié con su último período) Otros como Gerry Mulligan y Stan Getz fueron casi universalmente considerados como mala gente, cabrones y egoístas. Quizàs uno que se escapó del molde fue Louis Armstrong, cuya salvación por la música es evidente, auxiliado por el encuentro en momentos críticos por personas de buena voluntad. Digamos que ahí hay un tiro para el lado de la justicia pero sospecho que fueron otras las situaciones que lo convirtieron en un ser querible. 

Me miro a mi mismo, y a muchos de los que me rodean, y no veo ninguna redención por la música. Es cierto que pudo haberme rescatado de situaciones peores. Sin grandes triunfos también me concedió algún logro sin la cual podría ser hoy mucho más miserable. Quizás se podría pensar en que sin la música el destino de alguno de los que conozco podría ser mucho peor, pero sigo sin ver que en términos de mejoramiento ético o de sufrimiento neurótico, no veo grandes ventajas, ni curación por el arte.

Un Trio que es mejor evitar.

15 Enero 2014 - The Jelly Roll Trio -  en Villa Victoria
(Escribe Garmendia)

El dueño de este blog lo tiene bastante abandonado, así que aquí estoy. Me tocó inaugurar este año 2014 teniendo que cubrir una fecha de el JRT, cosa que no me cayó nada bien, porque estos tipos ya me tienen bastante podrido con su reiterado repertorio de un tal Jelly Roll Morton.  

Me sorprendió que hubiera tanta gente dispuesta a pagar una entrada para ver a este pequeño grupo que mal disimula su amateurismo. Yo no los recomendaría salvo para animar alguna tarde de geriátrico. Para empezar, ese viejo que toca la trompeta ya ni se puede tener de pié...tiene que tocar sentado para aguantar un set. Eso no impide que pifie seguido, y que cada vez que quiere aproximarse a un agudo el sonido se le apaga como si al micrófono que le sacan el cable. Para colmo, pretende hacer solos con el trombón, un instrumento con el que apenas puede imitar a un elefante resfriado. 

Además hay que soportar la monserga del contrabajista, que parece obsesionado con la misión de explicar que Morton era una mala persona. Ya lo tuve que escuchar varias veces, y me asombra que pueda repetir tantas veces las mismas pavadas. ..."a ver, un aplauso de prueba"....."ahora no aplaudan hasta que yo les diga"..."si no les gusta tiren cosas de valor" y otras pavadas con poca gracia. Cuando por fin se decide a tocar el contrabajo en lugar de hablar, pareciera que todas las notas que toca son iguales. Es como un bombo que marca el ritmo...a lo mejor está para eso.

El que zafa un poquito es el banjista. Su música es digamos ...alegre..como si  fuera música de vaqueros. Se sonríe como si fuera un débil mental, pero noté que a algunas viejas les caía bien su actitud. Eso sí...cuando se embarca en un solo sin acompañamiento de golpe se queda trabado como cerradura rota. Luego de tocar repetidamente una figura simple para tratar de salir del paso, se detiene, y trata de arrancar de nuevo con el tema. 

En fin, yo tengo que hacer periodismo responsable, y por lo tanto no les puedo recomendar este trío. Habiendo tantas cosas para ir a ver en verano, les conviene optar por cualquier otro espectáculo. 

Garmendia.

III Mar del Plata de Jazz

III Mar del Plata Jazz organizado por ICM (Improvisación Colectiva Mar del Plata)  4-5-6 y 7 de Diciembre 2013

Me apresuro a hacer un breve comentario sobre el reciente festival de ICM. Será acotada porque tuvo una variedad y número tal de presentaciones y escenarios que mi participación limitada no pudo cubrir. Solo haré alguna mención a los rasgos del evento que me impresionaron y que en mi opinión merecen ser destacados. 

En primer lugar su carácter inclusivo. Dejemos de lado que a nuestro JRT se le prodigó un lugar de privilegio en la programación, aunque fue también una muestra de apertura al dar un lugar a los momentos tempranos del género. Me pareció muy emotivo que se le hiciera tributo a Ferio Espinosa, que durante más de 25 años lideró la organización de un festival de Jazz anual en el mes de Abril. A eso se le suma la incorporación de músicos de la movida folklórica como Marita Moyano, y el acierto de poder contar con "Los amigos del Chango" , un grupo numeroso de excelentes artistas que se reunían con el Chango Farías Gomez para crear bajo la invocación del swing, la improvisación y la creatividad, como tantos otros próceres como el Mono Villegas, Eduardo Lagos, y Adolfo Ábalos. Su presentación el viernes en el Teatro Colón fue ovacionada por un público que podría ser sectario por asistir a un festival de jazz.

Hubo momentos preciosos en las jam sessions en Rondó, y las clínicas a las que asistí fueron muy interesantes. Solo me preocupa que los músicos locales podrían haberlos aprovechado mejor...no tuvieron una asistencia muy numerosa. Además dieron una visión muy extensa de las diversas ópticas con los que se puede pensar el jazz. De un extremo de cálculo y de análisis rítmico como lo mostrado por el Atos Trío, a la cultura de la flexibilidad de las formas expresadas por Pablo Ledesma.

Me perdí muchos de los sets, pero me quedaron muy marcados los de el trío de Oscar Giunta, Arturo Puertas y Hernán Jacito, y el de nuestro Trio Dapine (será Dápine o Dapine), que sigue siendo mi grupo favorito a nivel local. 

A los organizadores, que fueron muchos además de Martin DeLassaletta, Nicolás Passetti y Marcos Basso, les deseo una feliz conclusión de este festival. Todos nos sentimos solidarios en el esfuerzo. Sé por experiencia propia la satisfacción que produce este tipo de logros. También hay un precio de malentendidos, resentimientos y enojos, a veces a causa del cansancio o la ansiedad. Tolerancia, fuerza, y vamo' arriba muchachos.

Para los que quieran apreciar la multiplicidad de la oferta del festival, consultar:

www.mardelplatajazz.com

Los Savasa en el Teatro Colon

centro Jueves 31, viernes 1, sábado 2 y domingo 3 de Octubre 2013.- Dúo, Trío, Cuarteto- Centro de Experimentación del Teatro Colón de Buenos Aires.

El cronista debió transladarse a la Capital Federal para asistir a esta serie de conciertos. No era para menos. Se presentaba el alumni de Viva Buddy Bolden, Valentin Garvie en una de las salas de la casa mayor de conciertos del país, el venerable Teatro Colon. Los recitales tuvieron lugar en el llamado  "Centro de Experimentación del Teatro Colón"...un nombre que me parece tan absurdo y paradójico como la expresión "Museo de Arte Contemporáneo". Dentro de unos años va a sonar todavía más ridículo que el lugar donde se celebra la música del sigo XX y XXI tenga aún que llamarse "de Experimentación". Igualmente hemos de agradecer que ese espacio se mantenga, hoy bajo la dirección de Miguel Galperin, cuyo concierto de tesis al graduarse de la carrera de dirección musical de la UCA todavía recuerdo.

Valentín viajó junto a tres compañeros del Ensamble Modern de Frankfurt, su compañero de fila, el trompetista búlgaro  Sava Stoianov, y el cornista israelí Saar Berger.

Hicieron en forma alternada dos programas: El primero consistía en una comisión al compositor argentino Adalberto Vidal, para el que se sumó el pianista Bruno Mesz.

El segundo programa consistía en varias obras escritas por una serie de compositores ...entre los que figuraban el conspicuo Marcelo Perticone, de quien nos ocupamos en la entrada anterior. Marcelo fue una figura central en la formación de Valentin, ya que estudió intensamente en forma particular con él antes de concurrir a la universidad. (siempre dijo que lo que aprendió de teoría con él le alcanzó para atravesar toda la carrera). De modo que no es extraño que haya incluido su obra "Les Illusions", para trompeta y "otra trompeta" que ya incluyera en su grabación "portrait" editado por el EM. Las diversas obras se entrelazaron con una serie de pequeñas piezas llamadas "Savasa Games", compuestas por el pianista del EM, Herman Kretzchmar. Son justamente "juegos" que reflejan los sonidos que provienen de la sala de bronces del EM, donde Sava, Valentin, y Saar, pasan horas practicando, ensayando, preludiando y jugando al ping pong. En su conjunto este programa mostraba una muy variada paleta de sonidos, que sorprendía por esa inusual combinación de dos trompetas y corno. Quizás la inclusión del corno determinó en gran medida una bella riqueza tímbrica. Por otra parte Sava y Saar tuvieron intervenciones solistas que asombraban por su virtuosismo y ductilidad.. 

En cuanto al concierto monográfico del compositor Vidal,  hubo una primera obra "Estudio para piano solo" interpretado por el pianista Bruno Mesz. Bruno además de pianista es matemático y clarinetista, de modo que posee un perfil tan intrigante como la de Vidal, que según su propia definición es "compositor y programador". Luego, los "Cinco estudios para dos trompetas y corno" consistieron en fragmentos instrumentales enlazado por un interludio repetitivo del piano. La naturaleza algorítmica de la música lograba tener cierto carácter humano gracias a la interpretación de los bronces. Las exigencias de la partitura fueron intimidantes, dado el rango de los saltos interválicos, generados por el programa informático que diseñó el compositor.

Paso a darle la palabra a mis lectores, para que mediten sobre el criterio estético de Adalberto Vidal. Transcribo a continuación un fragmento donde el autor explica su idea. Les anticipo que a mí me dio mucho que pensar, y que a mi reacción visceral inicial, se sucedieron otras meditaciones de distinto signo.

Les transcribo textualmente sus palabras:

"El concepto de lo que es estético se rige para mí por un único criterio: que todos los aspectos de la obra puedan ser descritos algorítmicamente. Bajo esta premisa, sólo es estética aquella obra que, en última instancia, pueda ser generada por un programa informático. Todos aquellos aspectos que no pueden ser descritos algorítmicamente son descartados, considerados antiestéticos, caprichos o simplemente errores. La valoración de la obra está en relación directa con sus susceptibilidad a ser programada"

Chupate esa mandarina....

¡Acontencimiento!

22 de Septiembre- Del Hoyo Trío junto a la Banda Municipal de Música - Teatro Colon

El sábado 22 asistimos a un acontecimiento de aquellos que marcan un salto en el nivel de producción musical. Sebastián Del Hoyo viene haciendo una carrera que empieza a trascender los límites de Mar del Plata. Se suma a sus presentaciones en el interior, su presentación reciente en Buenos Aires bajo los auspicios de Cultura Nación, a que ya ha estado llevando su música a Europa en giras personales.

 El recital que estamos comentando es un buen ejemplo de cómo el talento y creatividad se debe sumar a la gestión y la perseverancia para lograr subir varios peldaños los niveles de calidad a la que debemos acostumbrarnos.

Involucrar a todo un organismo como la Banda Municipal de Música no es una tarea fácil...hay que superar hábitos y costumbres, reglamentaciones, vías transitadas que a veces son difíciles de modificar para hacer cosas totalmente diferentes. Esta vez un repertorio totalmente compuesto por nuestro Sebastián, pero adaptado, instrumentado y dirigido por Marcelo Perticone* . Esto no solo marca un crecimiento para él sino para el mismo organismo que forma parte de de la base estable de la cultura de nuestra ciudad.  Fueron 13 temas que conformaron un largo recital que además presentaban un formato muy peculiar. En un rincón del escenario formó del trío conformado por Javier Puyol en batería y Martin DeLassaletta, además del guitarrista y compositor. Perticone en el podio confrontaba a la banda con  una tarea muy ardua, ya que debe ser difícil mover un organismo tan numeroso y pesado con el movimiento ágil del trio. En un momento hubo un bello tema tocado simplemente a dúo junto al trompetista Claudio Sanchez, que sirvió como un interludio refrescante.

Y hay que destacar que la instrumentación de semejante cantidad de temas ha sido trabajo enorme. El resultado en todos los casos fue de un efecto sorprendente. Quizás las sonoridades destacaban un filón fusión-rock sinfónico, un efecto nada sorprendente conociendo los gustos de Marcelo, sumado a que la estética de DelHoyo tiene un fuerte ingrediente de fusión. Incluso la intervención ocasional de las placas abordadas desde el fondo por Roque Figliuolo generaban un efecto que recordaba en alguna medida los registros instrumentales de F.Zappa.  El que estaba acostumbrado a la sonoridad acústica del trío podría tener una sensación de extrañeza, pero una vez asumido el conjunto, se podía disfrutar de una recreación innovadora. No olvidemos que estábamos acostumbrados a un material grabado en versión mínima de guitarra clásica.  Sebastián proyectaba una imagen fuerte de solista, aún con su habitual gesto humilde y de bajo perfil. El contrabajo de Martin DeLassaletta sirvió como pilar de todo el conjunto...los requerimientos de amplificación quizás reducían la riqueza de la sonoridad del instrumento, pero le daban una calidad percusiva necesaria para mantener rodando esa masa instrumental. Quizás el que más sufrió por las exigencias de amplificación fue la batería de Javier Puyol, pero igual pudo desplegar su habitual exhibición de técnica e inventiva, ya que los arreglos le proveían de espacios amplios para sus solos.

Creo que todos....músicos y público nos sentimos satisfechos y orgullosos. Espero que semejante esfuerzo no se agote en una únca muestra...aunque temo que no es fácil que los planetas se vuelvan a alinear del mismo modo.

* Otro sí digo: Marcelo me corrige respecto de la cuestión de los arreglos e instrumentación (ver comentario). Sin duda me habré basado en algún comentario de Sebastián que me hizo pensar lo contrario.

10 de Agosto- Curdman contra los Chotacabras Comeuvas - Episodio rediofónico Creado, dirigido y protagonizado por Ricardo Pereyra (relator) y Gran Elenco.

Ricardo Pereyra es un personaje renacentista...además de pianista de jazz es escritor, guionista y conductor de un eccéntrico programa de radio llamado "La Musa Equivocada". Me invitó a participar de su programa encarnando un personaje llamado Steve Garber, trompetista maligno que a través de sus malas artes desencadenaba un ataque de aves depredadores que devastaban los ricos viñedos adyacentes a Ciudad Enóloga. El superhéroe Curdman, junto a su fiel y sensible acompañante Romino, ponen fin a las andanzas del malo de Garber, y acaba con los ataques de los pájaros chotacabras comeuvas.

El episodio tenía un complemento musical, para lo cual se organizó una sesión de grabación. Participaron además de Ricardo en piano , Pablo Gonzalez en bateria (con quien también habíamos compartido la experiencia de Jazz Attack) y el bajista Osvaldo Gallo (quien toca habitualmente con Ricardo Pellican), Además de  los dos temas que eran parte del guión del radioteatro, se aprovechó la sesión para grabar cinco temas más, en lo que consistió en la experiencia de estudio más eficiente que haya tenido. Por cierto que encaramos material relativamente fácil, pero fue un placer compartir la habilidad de estos músicos para poder completar el repertorio sin ensayo. Contribuyó también el técnico de sonido cuyo nombre no conozco, pero que aprovechó el tiempo eficientemente y hasta nos entregó una compilación pre-editada de lo hecho.

Contusión : Una lesión profunda que no presenta signos exteriores.

Teatro el Séptimo Fuego -28-07-13 -Contusión-Obra teatral escrita y dirigida por Carla Maliandi- Actuación de Anahí Pankonin -Julián Calviño y Eduardo Iacono- Música original compuesta por Julian Maliandi (gtr) y ejecutado en vivo junto a Fabio Maliandi (flt) y Martin DeLassaletta (dbl bass).

Vuele mi empeño, mi esperanza vuele...

La vida mía debió ser horrible

Debió ser una arteria incontenible

y apenas es cicatriz que apenas duele.

El último verso del poema "Frente al Mar" de Alfonsina Storni resume la situación de una sociedad que no puede saldar lo inenarrable de su historia. Que sacrificó una generación de jóvenes que como en el poema, miraban el mar e intentando estar a su medida.  Quedaron quienes todavía no pueden desentrañar los efectos de la catástrofe. Un colectivo frágil e inseguro se dirige al mar...síntoma de lo inacabado y fallido. (Experiencia que todos los marplatenses conocemos demasiado bien). Pasajeros que o bien no protestan, o se enardecen en una queja impotente. El horror no puede ser mirado de frente, se lo intenta contemplar de soslayo..aún negar...el legado de la historia no puede ser retomado sino en fragmentos, en pequeños rasgos o rastros testimoniales.

La obra de Carla Maliandi podría entenderse como uno de nuestros intentos por atender esa cicatriz que apenas duele, pero que responde a un golpe tremendo a nuestras aspiraciones e ideales. Tiene el poder de transportarnos a esa noche de dudas, reproches y ambigüedades. Lo hace mediante diálogos sencillos, un lenguaje franco y poco afectado, pero que no dispensa al espectador de intentar procesar la escena. Labor que justifica la existencia del verdadero teatro...

La música introduce la acción con una melodía persuasiva que pareciera impulsarnos al viaje. Es la misma que, luego del interregno dramático puntuado por pequeños toques y fragmentos improvisados, acompaña el movimiento de salida que nos devuelve a la cotidianidad, a la existencia tolerable pero adormecida. 

Exhibición fotográfica festival ICM en Espacio Bua

Hola....soy Garmendia. Me tomé una larga licencia, pero aquí estoy nuevamente para comentar la escena marplatense de jazz. Resulta que se hizo una exhibición de fotos del  festival de ICM realizado en 2012.

Ahí decía que las fotos las habían sacado un tal Nicolas Santiñaque y otro de nombre Pancho Gidoni.

Para empezar diría que tardaron un rato en sacar a relucir las fotos, pero bueno, ahí estaban. Lástima que en blanco y negro...hoy en día hay buena fotografía en colores muy buena...hasta mi celular saca fotos en color. En fin, las estuve mirando un rato. Algunas están buenas pero algunas no las entiendo, como por ejemplo la del piano o el del saxofón que están solas, sin intérprete. Que se yo, creo que un instrumento va  con un músico ¿no?. Por ejemplo, había al frente y a la derecha, como presidiendo la exposición, una imagen realmente impresionante. Era de un trompetista cuya expresión concentrada mostraba no solo la excelencia de su música, sino la luz que irradiaba su ser fulgurante. Seguramente el fotógrafo lo retrató cuando estaría expresándose con emoción,  construyendo una frase milagrosamente formulada, o un sobreagudo atronador.  Luego de permanecer magnetizado por la personalidad de ese interprete, me fui al hall donde me serví todas las veces que pude de los vasos de vino, y de los sandwiches de miga, que estaban re-buenos. Creyendo que nadie lo veía, observé cuando un sujeto que apodaban "Barto" se metía varios sandwichitos en el bolsillo de su camperón. 

También pasaban música...pero aquí hay otra cosa que no entiendo de esta gente. Usaban un tocadiscos viejos donde pasaban unos viejos LP. Cuando les pregunté porque usaban esa antigüedad a uno de los personajes que parecía como organizador me contestó "No hay nada mejor que los vinilos, loco". La verdad es que él no me pareció muy cuerdo. 

Cuando me estaba por ir vi que iban a tocar un poco de música. Eran un guitarrista llamado Sebastián Del Hoyo, y un saxofonista de nombre Juan Manuel Martinez.  El guitarrista tocaba bastante bien, pero yo le diría que le meta un poco más de ritmo a la cosa, algo que sirva más para bailar. El del saxo también andaba bien, pero tocó un solo tema y se fue...no sé si se enojó o algo. 

En fin, no estuvo mal. A la salida aproveché para tomarme unos vinitos más.

Rafael Morelli R.I.P

Ayer tuve noticias del fallecimiento el día miércoles del Mtro. Rafael Morelli. Trompetista de gran calidad, actuó en los niveles más calificados del género sinfónico, destacándose en distinas expresiones de la música clásica. Se introdujo en la música desde muy pequeño, asistiendo al centro“Infancia Desvalida” de Rosario, donde tomó sus primeras clases bajo la dirección del maestro y compositor Alfredo Serafino. Compartió ese humilde comienzo con otro compañerito, Ruben Barbieri, con el que siempre mantuvo una amistad. Éste último es por supuesto más conocido por nosotros en el ambiente jazzero. Pero hay un paralelismo en la vida de estos dos músicos, marcados por aquel comienzo humilde, la excelencia, el bajo perfil y sobre todo por su sujeción a una ética intachable.

Nuestra relación con el Mtro. Morelli es clave en tanto fue el maestro de trompeta de Valentin Garvie. Su rol no se limitó a trasmitir los fundamentos racionales para la correcta ejecución del instrumento, o las formas estilísticas tan críticas en la música académica. Fue un consejero hábil para aconsejar en las complejas relaciones humanas que se producen en la vida de un músico. Su estilo prudente y regido por principios  ofrecieron un camino que Valentin supo aprovechar bien. 

Vayan estas palabras para la despedida del querido Mtro Morelli. Son tomadas de un poema escrito por un familiar de Big Ike, cuyo funeral relatamos en las entradas anteriores.

Se ha ido

Puedes llorar porque se ha ido

o puedes sonreír porque ha vivido.

Puedes cerrer tus ojos, y rezar por que vuelva,

o  puedes abrir tus ojos y contemplar lo que nos ha dejado.

Tu corazon puede estar vacío porque no lo puedes ver

o puedes estar colmado del amor que has compartido.

Puedes darle la espalda al mañana y vivir ayer,

o puedes estar feliz por mañana a causa de ayer.

Puedes recordarlo en tanto ya no está,

o puedes mantener viva su memoria.

Puedes deshacerte en lágrimas, 

cerrrar tu mente,

dar la espalda,

o puedes  hacer lo que él hubiera querido:

Amar, y seguir adelante.

Apenas dos momentos del funeral de Big Ike.

Fotos gentileza de Allen Kimble Jr.

Buddy Bolden en New Orleans

Escribo en la noche de la luna más llena y cercana del año...casi una paradoja en una ciudad que  también llaman Crescent City, la ciudad de la media luna. Ya cercano al final de nuestra visita al pueblo que fue la cuna de Buddy Bolden, Martin DeLassaletta, Valentin Garvie, y quien subscribe estamos extenuados. Es imposible narrar todas las cosas que presenciamos en estos cinco días. Solamente contaré nuestra experiencia de hoy,...quizás la más conmovedora. Salimos a la mañana en búsqueda del funeral de Isaiah Joseph Bennett III, quien fuera mejor conocido por su apodo "Big Ike". Fue un hombre de intensa participación comunitaria en el barrio de Tremé, y sobre todo por su trabajo como entrenador de generaciones de jugadores de basquet de esta ciudad.  Fue difícil encontrar la iglesia metodista donde se desarrollaba su misa de requiem, pero gracias a la ayuda de Allen Kimble, un amigo que nos granjeamos en estos días, logramos llegar al lugar. No pudimos ingresar a la ceremonia porque ya no cabía un alfiler en el templo. La misa estaba puntuada por participaciones musicales, entre otros del trombonista Glenn Andrews (a quien fuimos a escuchar a nuestra llegada). También de Lady Tambourine, una mujer increíble que una noche anterior habíamos visto en un lugar atestado de bailarines. Había aparecido súbitamente creando un momento de agitación mágica.  Pero hubo que esperar casi tres horas para que culminara la ceremonia. Mientras tanto se iban congregando músicos y gente del barrio, esperando el 2nd Line. Al fin se abrieron las puertas y fue una explosión de movimiento y música. Encabezaba la marcha un bailarín de la Zulu Society a la que había pertenecido el finado, pero había todo un despliege de pasos de baile por parte de los miembros más hábiles de la congregación. Inmediatamente atrás tronaba la Brass Band, con dos tubas y unos ocho bronces casi todos jóvenes  y algún niño de apenas 9 o 10 años. Generaban una intensidad arrolladora, tocando algunos de los viejos himnos que yo conocía como Lord, Lord, Lord, y otros temas propios de la fusión que estas bandas hacen hoy con temas populares. Nosotros nos sumamos al second line que transitó un recorrido de unas quince cuadras hasta llegar al campo de entrenamiento donde Big Ike ejercitaba a sus equipos, y donde se culminó con una suelta de globos. Luego se armó una mesa con comida y botellas de agua. Mientras la gente charlaba antes de dispersarse, se nos convidó generosamente. La apertura de esa gente derrotó nuestra timidez y tendencia a auto-segregarnos. 

Nada de todo lo vivido estos días, supera esta experiencia de emoción, swing, música y humanidad enaltecida. 

2013 Lo que hubo y lo que vendrá.

Al fin concluida la saga del trombonista, puedo volver a las anotaciones habituales.

Ha habido una serie de tocadas durante este período que abarca desde Febrero. Lo que rescato fundamentalmente fueron dos tocadas en Cantalao en Camet Norte. Una en Febrero aprovechando la visita de Valentin Garvie, a la que se sumaron Sebastián DelHoyo, Nico Passetti y Lucho Monte...ah! y Julia Sanjurjo que vino a escucharnos y que por supuesto se sumó.

Hubo otra visita al mismo lugar más reciente con el JRT  resucitado ...el 18 de Mayo si no recuerdo mal.

También hubo una suerte de tocada inauguración del negocio de Rudi DeLassaletta en Camet Norte...(me parece que vamos a tener que mudarnos todos ahí.) Allí  estuvieron Julián Maliandi, Damián Manzo y Martin DeLassaletta por supuesto.

La novedad interesante es que Barto Camus organizó un cuarteto con él en bajo, Lucho Monte en batería, Fede Viceconte en sx, y un servidor en trp, con la idea de hacer repertorio de temas de Ch. Parker. Los temas de Charlie ya casi son clásicos en el repertorio de las jams, además de basarse en la armonía de standards de los 40'. Pero son invenciones melódicas tan sorprendentes, que hoy todavía suenan contemporáneas. En varios de los temas hemos podido introducir arreglos algo deconstructivos, agregando una nota de interés y de dificultad para interpretarlos. No sé cuánto puede durar este proyecto, no creo que mucho, los demás son todos músicos muy ocupados e inquietos, pero mientras dure lo disfruto.

Ahora lo que viene....¡una semana en Nueva Orleans!. Luego se informrá.

El Tombonista VI (y último capítulo)

A nuestro trombonista no le costó mucho trabajo encontrar donde vivir en la llamada Ciudad Feliz. Sólo necesitó llamar a cuatro o cinco de sus viejos compañeros de secundaria, para que le ofrezcan  alojarse en algún chalet de las inmediaciones de Playa Grande. Esas casas seguían desocupadas luego de dos y aún tres temporadas que ellos, junto a sus padres y alguna novia, preferían pasar la temporada en Punta del Este. Luis María armó su valija con una muda de ropa, sobre todo vestimenta de playa, y tomando su instrumento se subió a un ómnibus en Retiro con dirección a la costa atlántica.

Una vez instalado, no tardó en visitar el lugar donde le habían dicho que tocaban las bandas de jazz. Lo trataron con cortesía, pero pronto le explicaron que sólo tocaban una vez a la semana por turnos, que apenas sacaban como para la cerveza y la pizza, y que por ahora no había plaza libre para trombón en las bandas, ya que por ahora la cubrían excelentes instrumentistas. Que dejara su número de teléfono y cualquier cosa lo llamaban. Cuando ya era tarde lo invitaron finalmente a subirse al escenario, pero apenas terminado el tema se acabó la tocada. Los músicos enfundaron sus caños y desaparecieron.

Ya había gastado bastante en el taxi de ida, en los tragos, más la entrada que debió pagar para entrar. De modo que decidió volver caminando para ahorrar un poco. Descubrió que Playa Grande quedaba muy lejos, y que las noches marplatenses pueden ser ventosas, húmedas y frías aunque sea verano. Patacón por cuadra, iba tratando de meditar sobre su situación. Urgentemente debía encontrar un empleo, un bolo, changa, cualquier cosa como para subsistir.

Al día siguiente, en un paquete café de la calle Alem, revisaba el diario local en busca de la sección de empleos ofrecidos. En destacado, leyó:

"Importante empresa de espectáculos convoca a casting para un próximo lanzamiento" 

El aviso citaba para el día siguiente a primera hora en un lugar algo raro, algo más lejos que el puerto, donde ni siquiera se asentaban los circos.

Siempre forzadamente ahorrativo, el muchacho se dirigió a pié al lugar indicado, para encontrar una larga cola frente a una especie de obra en construcción. Antes de encolumnarse, leyó en un cartel encuadrado en tablas rústicas:

El Fortín de Frontera

¡Viva la emoción de la conquista del desierto!

Durante la larga espera se filtraban en la fila informaciones acerca de los puestos que se buscaban cubrir. Se iban a elegir candidatos para formar dos equipos, una de indios y otra de gauchos milicos tipo Cabo Sabino. El espectáculo consistiría en simular un ataque montonero al fortín, y el desarrollo de un combate, peleas cuerpo a cuerpo, fusilamientos, pasadas a degüello etc. Luis María no se imaginaba en un bando ni en el otro.  Esperaba ser elegido para ser "de los que ganaban", pero cuando al fin le tocó el turno para la audición, supo que todas las vacantes habían sido cubiertos. Igualmente le ofrecieron trabajar en un equipo promocional...debía disfrazarse de personaje de comic, entretener a los niños mientras esperaban el comienzo del espectáculo, y además tripular una carroza de propaganda, repartiendo volantes.  Debió ponerse el disfraz que le tocó en suerte. Hubiera preferido el del hombre araña, que al menos estaba hecho de una tela más liviana. Pero debió vestirse con uno de la pantera rosa, que estaba hecho de un paño peludo, que ya lucía algo sucio y maloliente a causa del sudor acumulado por usuarios anteriores. Hubo promesas de pago razonable al término de cada semana, e inmediatamente los seleccionados para promoción debieron subirse al una plataforma rodante, y salir a anunciar el show por el centro de la ciudad.

El calor dentro del disfraz era intenso, y se volvía intolerable cuando la comitiva se detenía a repartir volantes. Había que agitar las manos y saltar para divertir a los pequeños, que insistían en sacarse fotos con sus personajes favoritos. No faltaban los impertinentes que atacaban por atrás a la pantera,  golpeándole la espalda o tirándolo de la cola. El personaje perdía su comicidad e intentaba perseguir al atacante, pero de inmediato debía recordar su rol de simpático entretenedor. Mientras hacía sus  gestos graciosos, puteaba a todos los niños que apenas podía divisar a través de los pequeños agujeros de su escafandra asfixiante.

Logró sobrevivir la primera semana, cuando cobró la mitad de lo anunciado, que le pagarían, "una vez que arranque el show".  Pero cuando ya el fortín funcionaba con su oferta de alaridos, ataques y muertes seguían demorando el pago hasta que "avance la temporada"

En una oportunidad, haciendo la parada obligada en la Plaza del Agua, concurrido por pequeños energúmenos de clase media y sus padres igualmente insoportables, sucedió lo que siempre había temido. Allí estaba junto a su mujer e hijos, Patricio Lamas Caballero, otro de sus ex-compañeros de su exclusivo colegio secundario, Hijo de acaudalados estancieros, había sido uno de los compañeros de banco de Luis María. Habían jugado juntos al rugby, y una vez recibidos, se juntaban para salir y visitar putas caras de Barrio Norte.  La Pantera Rosa quiso esconderse atrás del Pato Donald, pero los chiquitos Lamas Caballero habían divisado a su personaje favorito, e insistieron en sacarse una foto familiar con el simpático monigote. Más rojo que rosado, Luis María cumplió con el penoso proceso, refugiándose en el silencio de su caracterización. 

Y así transcurrió la temporada, hasta que las huestes de indios y soldadesca, hartos  de no cobrar lo pactado, organizaron una partida conjunta para incendiar las instalaciones. O quizás fuera un atentado organizado por los mismos dueños, que encontraron una forma de justificar su desaparición dejando un tendal de deudas. Nunca se supo.

Luis María optó por una salida clásica. Fue a una cabina telefónica, y llamó a la casa de sus padres.

"Hola mamá, mirá, estuve pensando bien...tengo ganas de estudiar marketing. Hay una universidad privada buenísima en Belgrano...eso sí...tendría que conseguir un departamentito por ahí cerca, para no perder tiempo viajando, viste....."

El Trombonista V

De modo que a medida que se internaba en el mundo de datos sobre personajes de la historia del instrumento, grabaciones, ingresaba también a una red de músicos locales, que aunque pequeña, daba lugar a todo tipo de comentarios, rivalidades, chusmeríos y conversaciones de café.

Podría decirse que su universo era limitado y egocéntrico...pero era un espacio en el que sentía que tenía lugar. Mientras salía de su departamento con su estuche, podía presumir que ahora tenía algo importante que hacer, que lo mirarían por la calle con respeto y cierta admiración. Por fin se sentía que era alguien, con algo que hacer, con algo la cabeza, con preocupaciones y urgencias.

Pero sus padres no pensaban lo mismo.

Veían que a los 30 años este muchacho seguía sin rumbo. Para ellos sólo perdía su tiempo en los sótanos donde ensayaba...si ocasionalmente tocaba en público solía ser por monedas. Y aunque tocara música con mayor demanda comercial, nunca sería alguien presentable en los círculos en los que ellos se movían. 

De modo que luego de muchas conversaciones en las que la desilución les amargaba la noche, decidieron finalmente, cortarle los víveres. El padre lo citó formalmente en un café, donde le comunicó que iban a dejar de pasarle la mensualidad con la que  financiaban una vida inexistente de supuesto estudiante universitario.

Luis María pretendió asimilar la noticia con afectado desinterés. Él saldría adelante igual...con su instrumento y su nuevo mundo podría defenderse sólo. Con un gesto de artificiosa suficiencia, amagó a pagar el café, aunque por supuesto ante el mozo se excusó por no tener cambio.

Pero vivimos en un mundo cruel. Pronto vió que no podría pagar el alquiler de su paquete bulín en Palermo. Entonces consultó con las bandas de pachanga que también ensayaban en el Bar Las Palmas  si no podían incorporarlo. Logró que alguna banda de cumbia lo llamara, pero detestaba tocar en ese ambiente...y además debía hacer piruetas absurdas para que sus amigos de las Jazz Band no lo descubrieran. En general se encontró que cuando debía afrontar las demandas mínimas de un músico profesional, no tenía los recursos técnicos como para tocar lo que le pedían, y tampoco tenía las habilidades de lectura necesaria para tocar en sesiones de grabación, o para hacer reemplazos en orquestas de función.

Pronto debió tomar la decisión de resignar su departamento...era un momento crítico. Era Diciembre, se venía la calor...y de golpe creyó tener una idea salvadora: ¡Se mudaría a Mar del Plata!

Allí seguro que encontraría alojamiento en lo de algún viejo amigo de la secundaria...conocía a varios que tenían casas de verano que apenas usaban. Era cuestión de llamar a sus viejos contactos por teléfono y hacerse invitar. Allí podría agarrar algún trabajo de temporada, quizás hasta musical, y luego en Marzo vería que hacer de su vida...

(continuará)

El trombonista IV

Así nuestro Luis María descubrió un universo nuevo. A poco de refrescar algunas posiciones y de restablecer la técnica elemental que le había servido para pasar por la agrupación musical de su viejo colegio, logró ser invitado a algún ensayo a la que algún día faltó su iniciador. Entonces logró intervenir con alguna nota en los momentos de improvisación colectiva, aunque a la hora de tocar un solo no sabía bien que podía hacer. A la vez que lograba ser saludado por los otros miembros de la banda, se encontró con un nuevo grupo de amigos. Ingresó al intercambio de conversaciones, grabaciones y libros de estos cultores de un jazz antiguo, olvidado por los usos y costumbres de su época. Esto confería cierto halo de excéntricos a esta pequeña comunidad de músicos, y les daba la ilusión de pertenecer a una cofradía exclusiva. Junto a  otros integrantes de bandas que tocaban música semejante, se instalaba algo parecido a una parcialidad futbolera. Alcanzaban el mismo grado de fanatismo, a lo que se agregaba cierto desprecio por estilos no precisamente iguales a la que practicaban.  Así ingresó a un universo de contraseñas y de saberes, muchos de ellos relacionados con su instrumento y de aquellos que históricamente fueron sus exponentes. Supo por ejemplo que la forma arrastrada que combinaba puntuaciones rítmicas con amplios glissandos se llamaba "estilo tailgaite", nombre que se suponía debido a que se ubicaba al trombonista de las bandas transportadas en la cola carros donde recorrían los barrios para anunciar eventos, bailes, etc. Y que el máximo exponente del estilo fue Kid Ory...quien además grabó el primer disco de jazz con músicos negros....y que compuso Rata Paseandera . Pero que también había otros héroes de la vara. El sentencioso Honoré Dutray...el rimbombante Highinbotham...y que era John Thomas el que toca en los Hot Seven en lugar de Ory.  Y tantos y tantos otros detalles de la miscelánea de aquella época de las primeras grabaciones...

(continuará)....

El trombonista III

Ese día buscó la intersección de la calle Paraná y Sarmiento, y se sentó a la mesa de el viejo bar Las Palmas, donde el mozo, que nunca le sonreía a un parroquiano nuevo, le sirvió un café como de mala gana.

Al rato llegó su anfitrión, junto con otros músicos que cargaban los estuches de sus instrumentos. Sentados en su mesa y algunas aledañas, conversaban, fumaban y tomaban café hasta que llegada la hora del ensayo, descendieron al sótano del bar, donde tras gruesas puertas se podía vislumbrar a través de un ventanuco de vidrio otros ensayos, principalmente de tango y de zarzuela. Ubicados en una de las salas los músicos tomaron asiento alrededor de un piano desvencijado, y luego de algún cabildeo comenzaron a tocar viejos temas de jazz que Luis María no conocía, pero que lo rodearon de una clima espeso y pulsante que le parecía que se le metía en el cuerpo y lo provocaba un movimiento rítmico involuntario. Una inmensa tuba presidía el ritmo de aquella música, apoyado lateralmente por un banjo y una escueta percusión de caja, redoblante y platillo. Los vientos propulsaban un ensamble entretejido, con la discreta conducción de una corneta. Sus frases cortas eran respondidas por el contrapunto de un clarinete que en un registro medio exudaba un sonido turgente, un saxo que ornaba arpegios en forma rítmica y finalmente, el trombón de su nuevo amigo, que arrastraba notas pedal y glissandos de manera que sellaba una armonía simple pero compulsiva. 

Fue una experiencia que tuvo la naturaleza de una revelación, un acontecimiento que despertó en nuestro joven el deseo incontenible de sumarse a esta extraña celebración de música vital.

Salió del ensayo en búsqueda de su abandonado trombón de estudio, viajando casi dos horas en colectivo  hasta su casa paterna en Olivos. En un altillo polvoriento logró divisar el estuche que buscaba entre cajas y objetos diversos...extrajo impaciente el viejo caño de bronce manchado, y trató de tocar algunas notas que se parecieran a los sonidos mágicos que había escuchado en el sótano.

(continuará

El Trombonista II

Luis María había tomado la iniciativa:

-Hola,....muy bueno lo tuyo. Decime, ¿hay que soplar mucho para tocar eso?

-No te creas...es cuestión de tomarle la mano.

-Ah, pero, no debe ser bueno ser fumador para soplar fuerte, ¿no?

-Qué se yo....yo fumo igual.

-Ah. Yo también tocaba ese instrumento cuando estaba en el colegio, pero después lo dejé, y no me acuerdo nada.

-¡No digas!...pero no creo que te olvides todo...es medio como andar en bicicleta....¿querés probar a ver qué te sale?

-Uh....bueno, a ver....

Vacilante, Luis M toma el trombón, y se lo acomoda en el hombro. Antes de embocar, piensa en saliva, y no sin cierto resquemor, acerca sus labios a la boquilla.  Luego de algún intento fallido, logra sacar sonido.

-¡Viste!...lo que se aprende de chico no se olvida. ¿Te acordás de algunas posiciones?

El experimentador estira la vara, hasta ubicar la 6ta, subir a 4ta, 2da y finalmente 1ra, y logra emitir un Do, luego, el Re, Mi, hasta llegar a un Fa. Satisfecho, le devuelve el trombón a su dueño, luego de limpiar ceremoniosamente la bquilla con una servilleta que encontró en una mesa vecina.

-Gracias,...la verdad es que me parecía que no me iba a salir nada. Pero ese jazz que tocan...¡qué lindo que es! ¡Como me gustaría poder tocar algo así!

-Bueno, la verdad es que lo que hacemos aquí es para la gilada. Moritat, Cuando los santos vienen marchando, ese tipo de cosas, esto es un laburo. En realidad, a nosotros nos gusta tocar otra cosa, más auténtica. Pero eso lo hacemos en ensayos...

-¡Claro! (haciéndose el conocedor)-pero bueno, igual está bueno. ¿Y cómo puedo escuchar eso que tocan Uds cuando hacen lo que les gusta?

-¡Mirá, si querés podés venir a un ensayo...te invito yo. Mucho no nos gusta que se junten muchos en la sala, pero yo te hago entrar.

Sin pensar demasiado, Luis María agradece la invitación,  intercambia teléfonos y concerta una cita en un bar céntrico para la tarde del viernes siguiente.

(Continuará....)

El trombonista I

Luis María había aprendido a tocar el trombón en la secundaria. Aquel colegio privado tenía un programa de actividad musical que incentivaba el aprendizaje de instrumentos, y él había aceptado aprender a tocar uno, pero sin demasiada convicción. Apenas cumplía con las clases y participaba de las agrupaciones del colegio con un aire de displicencia que lindaba con la oposición. Luego de egresar, había hecho algunos intentos fallidos por seguir estudios universitarios, pero cada inscripción en una facultad distinta marcaba otro año de frustración. Sus padres, dos profesionales de buenos ingresos lo seguían auxiliando, y le alquilaban un departamento en el centro de Buenos Aires. Por bastante tiempo albergaban esperanzas de que persistiera en alguna carrera, pero nada parecía interesarle particularmente al joven. Seguía comprando tiempo reinscribiéndose en la universidad, y viviendo una divertida vida social con sus amigos y amigas, todos derivados del núcleo social acomodado al que pertenecía. Acercándose a los treinta años, ya algunos de sus pares, recibidos y en buenas posiciones, se casaban. Fue justamente en uno de aquellas fiestas de casamiento que escuchó una banda que tocaba al modo del jazz tradicional que había sido contratado para la ocasión. Ya fuera por el tipo de música, o ver en acción al trombonista del grupo, se sintió tocado por algo que rara vez había experimentado antes. Sintió interés. Se acercó al trombonista y se puso a charlar con  él. El músico creyó reconocer a un colega, y prontamente surgió la conversación que suele suscitarse entre los  ejecutantes de bronces....

Continuará

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Chau 2012 !

Este año concluye con una mezcla agridulce de sensaciones. Por un lado la alegría de haber sido testigo (y en alguna pequeña medida protagonista) de un momento privilegiado para la música y el jazz en Mar del Plata. Esto moderado por la despedida de este planeta de Sergio Tamburri, con quien recién estaba desarrollando una fuerte amistad, pero que fue una figura que yo admiraba desde que era pibe. Noviembre fue un mes de mucha actividad, que paso a registrar antes de que se borre de la memoria.

16 de Noviembre- en Cantalao (Camet Norte) -Pasetti- Monte-Garvie. 

Camet Norte representaba la frontera norte de Santa Clara del Mar, donde yo viví momentos cruciales de mi infancia y adolescencia. Gracias a una invitación de Leticia Doumic fuimos a tocar en trío junto a Nicolás Passetti y Luciano Monte. Cantalao logra el milagro de juntar público en pleno invierno en un lugar lejano y prácticamente inaccesible para el marplatense promedio. Temí aburrir a un público acostumbrado a shows animados con una formación y un repertorio un poco especialista, por lo que me encontré hablando más de lo acostumbrado entre tema y tema. Creo que la intensidad que proveen Nico y Lucho en el acompañamiento salvaron el set, que fue generosamente recibido por la gente.

23 de Noviembre - Cecilia Pugliese - Centro Cultural Luis Spinetta.

Cecilia es una pianista insólita  y admirableque encara sin trepidación un repertorio pianístico clásico de concierto, con obras que van de L.V. Beethoven a Mariano Camargo. No conforme con confrontar semejante desafío, cierra su recital con música popular, esta vez invitándonos a Fabián Spampinato y a mí a acompañarla. Su referente musical es Glenn Gould, a quien ha homenajeado innmerables veces, y que de alguna forma representa esa actitud desprejuiciada respecto de la música universal, a la vez de la excelencia en la interpretación del repertorio clásico. Me encontré tocando temas de Richard Bona y de Luis Spinetta, algo totalmente extraño a mi hábitos jazzeros.

Me reencontré con Fabián, hoy dedicado a propalar música desde su radio fm de-Rock. Habíamos tocado juntos en los '80 en el combo Jazz 5, un grupo dirigido por Eduardo Martínez y donde tocaba el "Negro" Salinas. 

30 de Noviembre - Festival Mar del Plata Jazz- apertura de la Jam junto a E.Palomo, J.Maliandi, L. Camus y d.Manzo

No podré dedicarme a comentar el festival organizado por el grupo ICM (Improvisación Colectiva Marplatense), por merecer una entrada detallada. Sólo diré que estoy muy agradecido por el esfuerzo de producción que representó, y por haberme otorgado un lugar en la programación al encargarme la apertura de una de las jam sessions. Fueron  días de muchísima actividad, y no pude aprovechar totalmente todo lo ofrecido, pero no puedo dejar de mencionar que tuve la inmensa suerte de escuchar el trío de Mark Hellias (USA) y luego presenciar el set y la clínica de Guillermo Klein,  quizás el músico argentino de "cutting edge" que hoy es más conocido en Nueva York que en Buenos Aires. Otro regalo fue poder apreciar en un ámbito más íntimo que el programado al trío de Enrique Norris, uno de los músicos argentinos que más admiro. 

El sábado 1ro pude sumarme a las tocadas que los muchachos organizaron a lo largo de la Diagonal Pueyrredón. Todo muy fresco, innovador y placentero. Sólo deslizaré una ligera crítica, hecha con la mejor buena leche...creo que habría que calcular un poco mejor los conjuntos que actúan al aire libre en la Plaza San Martín, seleccionando para ello a los de mayor volumen e intensidad,  y reservando para espacios cerrados y tranquilos a los conjuntos más delicados como la Orquesta Errante que requieren de una escucha concentrada y atenta. 

Sergio Tamburri R.I.P

Publico tarde, una noticia que me costó asimilar. El 17 de Noviembre falleció (esta vez de verdad) Sergio Tamburri. Hacía unos meses que le habían diagnosticado una enfermedad de la sangre, y se notaba su gradual retiro de skype y facebook, a medida que entraba y salía del hospital de Houston. Creo que había cumplido 70 años, pero su jovialidad y aspecto correspondían a las de un adolescente tardío.  Sus hijos vivían cerca, y se nota que lo rodearon de afecto durante sus últimos días. Había nacido en una lejana isla del mar Adriántico, cercano a la costa croata. Cuando después de la segunda guerra mundial Italia debió resignar su soberanía sobre la isla, el padre subió a su familia a un bote y remó hasta la costa italiana. Poco tiempo después emigraron a la Argentina, donde al joven Sergio se le pegó el sobrenombre de “Tano”, que portó con orgullo toda su vida. Era un muchacho de inquietudes variadas que iban desde el motociclismo deportivo hasta las diversas tendencias artísticas que pululaban en Buenos Aires. Tomó interés en el movimiento de jazz revival y adoptó el trombón, instrumento con el que integró los Santos Lugares Stompers, el primer grupo de jazz que escuché en mi vida. Luego fue el ladero de Norberto Gandini en la fundación de la primera (y yo diría la única) Porteña Jazz Band. Eran verdaderos hippies, exponentes de aquella época de los sesenta y principios de los ’70. Defendían en espíritu creativo y negro de aquella banda, cuya alma luego fue vaciada.  Gandi volcado a la plástica y Sergio interesado en el cine, industria en la que participó años más tarde en EEUU con un realizador famos que creo que era Luis Puenzo. Lamento tanto que Sergio no haya escrito finalmente sus memorias como se había propuesto. Su vida estaba poblada de incidentes coloridos. Se alejó del país cuando la sombra negra cayó sobre la Argentina en 1976 y se radicó en Brasil. Desde allí llegaban esporádicamente algunas noticas sobre sus actividades con bandas brasileras, y como músico de blues junto a un integrante de Manal que también había optado por dejar el país. Su nombre empezó a adquirir cierta tonalidad mística, y se lo lloró e los ’80 a raíz de una noticia que lo daba por muerto a manos de un sicario en Rio de Janeiro (conservo una grabación radial que anunciaba su muerte). Pero reaparece vivito y coleando años después en EEUU, donde luego del proyecto de productora de cine que mencioné antes, se había consolidado como un pequeño empresario de IT. Había dejado el trombón, pero seguía haciendo música con un acordeón con el que tocaba blues, jazz, tangos y tarantelas. Otro proyecto trunco fue el de encontrarnos en New Orleans para tocar en la calle…me costaba un poco aceptar su idea de que nos vistiéramos de traje de cola y sombrero de copa, pero igual me iba a animar. Su muerte me vuelve a agitar ideas sobre los efectos del arte y de su ejercicio, que a veces me imagino como moléculas que se expanden en diferentes direcciones, y que tienen efectos impredecibles.

Otra de Camarattas

17 de Noviembre- Camarattas
Obras de Walton, Seiber, Debussy y Satie- ejecutados por Carlos Villalba (guitarra)-Victoria Cicchitti (soprano) - Silvana Boldrini (piano) - Florencia Toledo (piano y realización)

Voy a tener que desistir de comentar las presentaciones de la gente de Camarattas...me siento como un groupie de ellos, y ya no puedo mantener una sobria neutralidad por estar demasiado adicto. Además el tipo de repertorio, y el nivel instrumental que exige, requiere de un comentario especializado. Soy lego en el género, y me quedo reducido a expresar mi admiración por un mundo musical que me excede. Quizás sólo puedo expresar algunas preguntas sobre el recital, formulados desde una candorosa ignorancia.

Por ejemplo:

a)Cuando se interpreta una serie de canciones agrupadas en una suerte de colección (como el caso de Four French Folk Songs), ¿ Está bien aplaudir entre sección y sección, o hay que guardar respetuoso silencio hasta que se complete la serie, al modo de los movimientos de una sonata?

b) Yo no aplaudía hasta que me parecía que se terminaba la serie.¿Quedé bien o mal?

c) El que tenía al lado aplaudía siempre ¿Estuvo bien o hizo un papelón?

d) La mismas preguntas en relación a los Preludes.

e) En Le Promenoir des deux Amants me sucedió lo siguiente: la  música de Debussy pareciera conservar su rasgo de modernismo. A pesar de trasuntar un sabor a época, no deja de tener el perfume de lo innovador, casi de lo contemporáneo yo diría. Sin embargo los textos no parecen haber añejado tan bien. El programa bien diseñado (típico de las otras ediciones de Camarattas) ofrecía la posibilidad de leer tanto los textos originales como su traducción al castellano. Tenían un cierto sabor neo-clásico -romántico (simbolista,  me corrigieron). Por ejemplo:

Tiemblo al ver tu rostro

Ondular ante mis deseos,

Tanto me asusta que mis suspiros

Le hagan naufragar

Por temor a este infortunio

No enlaces tan libremente

A este elemnto infiel

Todos los tesoros de Natura.

Cuando hoy en día diríamos algo así:

¿Vamos a tu lugar

o a la mía?

Pregunto sinceramente ¿Es mejor conocer el contenido poético del canto, o es mejor perderse en el puro sonido de la voz. Como esas tres (¿o eran cuatro?) notas graves que cerraron la serie?

d) ¿ Victoria es Cicchitti, o Jouandon?

e) Volviendo a los Preludes...¿puede ser que el primer preludio ("La niña ..etc") sea mucho más conocido que los otros tres?, y si así fuera, ¿porqué?. 

f) La sonoridad ligera y especial del piano en estas piezas, ¿se deberá a un uso muy discreto del pedal? ¿Y si no es así, qué es lo que emparenta con el sonido de los buenos pianistas de jazz?

g)¿ Pudiera un ligero suspiro de Céfiro perturbar la nívea parsimonia del áulos de ébano de Buffa, adornado de áureo barrilote? Los ligeros pasos de los dioses apenas si dejan su impronta en la nieve....

h) ¿De donde saca Florencia Toledo esas ideas tan estrafalarias como las de conseguir la reducción a cuatro manos de Milhaud del Cinema de Satie? Y no satisfecha con eso, encima consigue el documental mismo de 1924 que la partitura acompaña. ¿Y como carajo se logra sincronizar tan perfectamente con los 29 minutos de la película? ¿No será que improvisan como otros que yo sé que acompañan películas mudas?

Tengo el...., digo la cabeza llena de preguntas.