lunes, diciembre 10, 2018

Sábado 8 de Diciembre - Clínica a cargo de Ken Vandermark - (en Ecem durante el 8vo Festival de Jazz en Mar del Plata de ICM)

Me ofrecieron oficiar de traductor de la clínica. Nunca vuelvo a hacerlo  a no ser que  encaremos la labor entre todos, pero de una manera ordenada y concertada. Al final casi todos entienden o hablan inglés....tenemos que acordar que la traducción sea un corto y preciso debate acerca de lo que está diciendo el expositor. Escuchar y traducir es un doble trabajo, en la que no pienso reincidir en las mismas condiciones.

Pero quisiera condensar lo que me parece lo más central de lo que trasmitió Ken Vandermark, alto referente del movimiento de impro libre basado en Chicago pero reconocido en el ambiente de la improvisación experimental en USA y Europa. 

Comenzó historiando el proceso de la AACM (Association for the Advancement of Creative Music) que reunió a todo una pléyade de músicos improvisadores radicales afroamericanos. Nos explicaba que en algún momento se preguntó cómo fue posible que sugirieran en el mismo tiempo y lugar más de 20 músicos   de la misma generación que compartían las circunstancias raciales y políticas de su momento, pero todos claramente diferenciados. Cada uno desarrolló una voz y personalidad musical distintiva y original. Pensaba que era estadísticamente imposible que eso fuera un fenómeno espontáneo.
Su explicación se centró en el rol del  pianista. docente y compositor Richard Abrams. Él exigía una condición para aquellos que querían ingresar al colectivo. Debían aportar composiciones para instrumento solo, para pequeño grupo y para en ensamble grande de la asociación. Eso se tenía que cumplir supieran o no técnica compositiva, cuando algunos ni siquiera tenían mucho dominio de teoría o lenguaje musical.
De ahí surgieron compositores e intérpretes tan diversos como Albert Ayler, Henry Threadgill, Roscoe  Mitchell y todos los integrantes del Art Ensemble of Chicago entre otros.
De modo que lejos de la uniformidad que se podría esperar por la pertenencia a una cooperativa y entidad con ideales comunes, surgieron todas esas singularidades.

Hasta ahí lo que me parece más importante para grupo de músicos marplatenses que formamos el colectivo ICM. Ahora consigno un par de conceptos importantes para quienes quieren desarrollar un idioma dentro del marco de la improvisación libre:

Según Vandermark, Anthony Braxton se encontró en dificultades para cumplir con la consigna de improvisar en solo set durante una hora. A los pocos minutos se habría quedado sin ideas. Para resolver su problema se dedicó a hacer una lista pormenorizada de todos los elementos que intervienen en la ejecución de su instrumento, asignándole un icono a cada uno de ellos.
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Lo que a su vez se propuso Ken fue armar su propia lista de elementos extraídos de su forma de abordar su instrumento, en lugar de adoptar la clasificación de Braxton. Una vez identificados, dispuso de ellos para armar su rutina de práctica. También combinaba en forma variada el orden de los elementos, y procedía durante un período determinado de tiempo (que no recuerdo cuánto era) en pasar de un elemento a otro. Además agregó el factor rapidez, tratando de intercalarlos cada vez más rápidamente. 
También observó que las escuelas de impro libre se desarrollaron en forma diferente en distintos centros de Europa. De modo que estudió las características de lo que hacían en Alemania  a diferencia de lo que sucedía en Holanda, y con especial interés lo que surgió en Inglaterra. 

En el transcurso de la hora y media habló de una gran cantidad de cosas...por ejemplo insistió en que había que tratar de concentrarse en lo que a cada uno le atrae en el campo musical, para jugarse ahí. No sería necesario atravesar todos los requerimientos de la academia. Pero por el otro lado su método pareciera implicar una buena dosis de disciplina y perseverancia. 

En nuestro caso, no creo que todos nos propongamos el camino de la impro libre como forma exclusiva de expresión musical. Pero rescato que el colectivo estimule la diferencia en los caminos de cada uno. Creo encontrar cierto paralelo con nuestra situación. No es una prescripción formal y declarada, pero me parece percibir que en ICM se valora especialmente la composición original. Creo que el resultado hasta ahora ha sido bastante diverso e interesante. 

miércoles, noviembre 28, 2018

25 - 11-18 Orquesta Sinfónica de Estudiantes c/ Pepe García - "El Nacimiento de la Nación" - Sala Roxy del Complejo Roxy-Radio City director invitado: Eduardo "Chelo" Lamas


El domingo 25 tuve la suerte de poder asistir al concierto de la Orquesta Sinfónica de Estudiantes, un organismo muy numeroso que funciona de un modo totalmente autogestionado, e integrado por estudiantes de música de diverso nivel. Me impresionó el número de las cuerdas, que obliga a una particular disposición de los violines a ambos lados del director. 
Al lado del podio se ubicaba el titiritero Pepe García, que intervenía con relatos alusivos a los hechos que condujeron a la independencia nacional. Cómo sólo lo puede hacer Pepe, tomaba eventos que suelen ser solemnemente transmitidos en el ámbito escolar y los transformaba en adorables retratos que seguramente quedarán mejor grabados en la memoria del público infantil, que de sus lecciones de historia escolares. Así tomó vida el soldado Agapito, a quién Belgrano le cuenta su idea de crear una bandera, para luego vanagloriarse con el Gral.San Martín de haber sido él el inventor de la celeste y blanca. O la desopilante interacción entre el caudillo Guemes con Juana Azurduy, que vapulea al caudillo exigiendo el trato de "Teniente General de la Nación", para luego desorientarlo con una artimaña de invitarlo a que le diga "Juanita nomás".
El sonido de la orquesta debería poner en guardia a los músicos que componen nuestra sinfónica municipal profesional. La afinación de las cuerdas me volvió a sorprender. Quizás los vientos de diverso pelaje deben ganar un poco en confianza y número, pero aportan toda la riqueza que caracteriza la sonoridad de una agrupación sinfónica. 
El repertorio consistió en una colección de motivos folklóricos y nacionales, mezclados con instrumentaciones de canciones patrias. En el caso de Aurora, participo el tenor local Miguel Silva Macías. En dos momentos la orquesta abordó dos obras del repertorio clásico que en general no serían encaradas por agrupaciones no profesionales. Una fué la marcha triunfal de Aída, y sobre todo la Obertura 1812, al que sólo le faltaron los destellos de fuegos artificiales. Estoy seguro que los espíritus de Verdi y de Tchaikovsky sonreían complacidos.
Ubicado en el fondo, la tuba del maestro Guido Mella (un músico experimentado, pero con alma de estudiante) sostenía al conjunto con su sonido aterciopelado y envolvente. 
Tengo una gran curiosidad por saber cómo se las arregla Luz García Souto para gestionar semejante empresa voluntaria, y cómo obtienen sus arreglos para la particular integración instrumental del organismo. 


lunes, septiembre 03, 2018

Primera grabación de Bocaguasa

Vuelvo a evocar esa foto intervenida que me enviara hace un montón de años Norberto Gandini. Quise utilizarla como ilustración del primer álbum de Bocaguasa que subimos a Bandcamp, y que se puede visitar en bocaguasa.bancamp.com 
El sábado 26 de Agosto nos juntamos en el SUM del ECEM, nos dispusimos en círculo, y con un grabador digital registramos 9 temas en primera toma que conforman el álbum.
Estos son los tres amigos que hacen posible este trabajo:
Daniel Alberola (saxo alto): Lo más difícil de discernir cuando se trata de tocar al modo del jazz primigenio no es saber lo que hay que tocar, sino lo que NO hay que tocar. Cualquier desvío destroza el acotado campo estético del estilo. Daniel viene a confrontar ese problema cuando proviene de un campo tan diverso como de tocar aerófonos para conjuntos folklóricos y vientos en el grupo Huayra Mapu. Su musicalidad le permite entender el problema y hacer una adaptación rápida al género.
Matías Rivara (Tuba). Matías es hoy el trompetista estrella de Mar del Plata. Es el líder de varios grupos  interesantes como Proyecto Reuteman, el grupo de afrobeat Niki Lauda, y su propio cuarteto. Ocasionalmente toca como refuerzo de la Orquesta Sinfónica Municipal. Sin embargo no tiene inconvenientes de calzarse la tuba margarita y darnos ese apoyo desde los bajos que es esencial para la música de Nueva Orleans.
Julian Tavela (banjo). Julián es un rara avis en la población de músicos con formación académica. Guitarrista consumado y egresado de la carrera de música contemporánea de la Universidad de Quilmes, no es raro verlo huyendo de los inspectores musicales luego de copar una esquina en el centro, tocando con Mati Niño Orquesta o Los Pibitos Orquesta.  

Por último estoy yo, queriendo hacer mi íntimo homenaje tanto a Gandi (Norberto Gandini), como a todos aquellos a los que admiraba en mi adolescencia; Dicky Canci, Sergio Tamburri, Alejandro Winkler, Carlos Borsalino, Saúl Lottemberg, Gustavo Meilij, Aníbal Bettinoti Eran aquellos  Santos Lugares Stompers a los que viajaba por horas desde Quilmes para verlos ensayar en La Florida. Y en particular a Luis "Kacho" Rodríguez Jurado que me retornó a la actividad en 1972 en su histórica visita a Mar del Plata. 
Con Bocaguasa hago un repaso de mis orígenes...aquellos que me llenaron la vida con tantos episodios en Mar del Plata de la primera Rambla Vieja J.B y la Criolla JB, y con tantos amigos, que hoy tengo tan presentes aún cuando algunos de ellos ya no están.
Mientras sigo con mis experimentos con Los Carlitos, reservo un pedazo de mi corazón para esta vieja escuela, que sigue en los cimientos y el espíritu permanente del Jazz . Creo que siempre habrá quienes quieran mantener esta llama.

lunes, agosto 27, 2018

Arte

25 de Agosto 2018-  Fernando Moran (sx sop) Mariana Amenta (voz) Mario Mocho (pno) SUM del Ecem-


No éramos más de 5 o 6 personas el sábado pasado en la pequeña sala de recitales del Ecem.  Siempre me embarga una perplejidad cuando no veo que haya más gente dispuesta a aprovechar lo que es una oferta de singular valor, especialmente para nuestro medio marplatense. No sé si es culpa nuestra por no saber difundir...o simplemente todavía no hemos podido generar interés en propuestas creativas no convencionales.
Saxo, cantante y piano no es una formación muy habitual, y tenía curiosidad por saber cómo se las arreglarían para hacer un programa atractivo. Pero  tuve suerte de presenciar un momento de inusual belleza y originalidad. 
Todo comenzó con un solo set de Fernando Moran que recurriendo a respiración circular desplegó un tapiz de notas que en rápidas secuencias generaban nubes de curioso formato. Muy al modo que supo iniciar el prócer Evan Parker, y que me hubiera parecido imposible escuchar en nuestra humilde aldea.
Luego el trío presentó una bellísima composición de Steve Lacy, un músico que sólo conocen los iniciados. Pese a que estuvo forzadamente en la Argentina unos meses en la década del  70, no secuestrado pero casi, muy pocos de nuestros músicos lo conocen. Se trataba de "Art"...una bellísima melodía que Lacy compuso en base a un poema de Herman Mellville (si, el de Moby Dick y de El Escribiente).  Se trata de un corto texto en que se celebra la invención en base a la articulación de elementos insospechados, aún contrarios, ("..prestando forma, creando vida pulsante") y que que remata en una analogía de Jacob en la lucha con el Ángel, cita bíblica que alude a una lucha que genera relación con la divinidad. 
In placid hours well-pleased we dream 
Of many a brave unbodied scheme. 
But form to lend, pulsed life create, 
What unlike things must meet and mate: 
A flame to melt—a wind to freeze; 
Sad patience—joyous energies; 
Humility—yet pride and scorn; 
Instinct and study; love and hate; 
Audacity—reverence. These must mate, 
And fuse with Jacob’s mystic heart, 
To wrestle with the angel—Art.

La fantasmal melodía de Lacy interpretada al unísono  Mariana Amenta y de Moran instaló un clima mágico en nuestro SUM...Mariana se auxiliaba con cierto procesamiento electrónico de la voz a la vez que mezclaba gorgojeos y clicks  flirteando con los bordes de lo microtonal.
Mario Mocho nos visita con frecuencia desde Buenos Aires. Hace uso inteligente del pedal de sustain para mantener un soporte de envolvente sonoridad. El piano no puede evadir su carácter temperado, pero su movedizo recorrido por puntuaciones de intervalos inesperados y acordes extendidos mantenían fluidez y movimiento al conjunto.
También demostró que no por abrazar una estética impro, deja de poder acompañar un standard como "Like Someone in Love". Igualmente en su solo no dejó de tomarse la libertad de recorrer senderos extraños sugeridos por el momento espontáneo.


sábado, agosto 04, 2018

Pepe García con Boca Guasa

 4 de Agosto 2018- Pepe García con Boca Guasa-Cámara de la Construcción de Mar del Plata Catamarca 2474

Escribo esta entrada en esta misma fecha, antes de la tocada con Pepe García, que además es la verdadera fecha de nacimiento de Louis Armstrong. Thad Jones fue el que lo pudo establecer definitivamente, hurgando en los libros bautismales de una iglesia católica de New Orleans. Louis, Satchmo, o bien Dippermouth, como se lo conocía de niño, había creído que su cumpleaños era el 4 de Julio de 1900 (en realidad no tenía forma de saber cuándo había nacido). Confieso que pocas veces he sentido tanto interés en una presentación, salvo quizás la que hicimos con Los Carlitos con Leo Masliah. Es que Pepe hace tiempo concita mi admiración como persona y artista. Ahora, con 85 años, mantiene su actividad como si tuviera 25. Acaba de animar varias jornadas de vacaciones de invierno y no se detiene a descansar antes de este nuevo espectáculo. Fue idea de él, un día que nos encontramos en una jornada de homenaje al poeta Américo Álvarez. Yo quedé incendiado con la propuesta, y tuve que esperar varios meses para concretarlo. Nos conecta haber sido ambos amigos de María Lozzi, quien fuera una fantástica promotora de el arte local, y que se ocupó en mejores tiempos políticos en Mar del Plata, a que Pepe llevara sus títeres a los barrios alejados de la ciudad. Así que finalmente, luego de cabildeos con banda, Pepe, y la responsable de otorgar las fechas en el pequeño auditorio del ECEM (ICM), logramos conciliar la fecha de hoy, 4 de Agosto, para hacer nuestro recital conjunto. El diablo metió la cola, y por esas cosas del teléfono descompuesto, nos encontramos con que debíamos renunciar a la sala que ya creí tener reservada otra banda.
Hace tiempo que me prometí no organizar fechas. Pero esta vez tuve que salir a buscar sala, hacer difusión, tratar de comprometer amigos (cosa que detesto) y escribir una de esas gacetillas que se requieren para hacer prensa. Voy a postear acá lo que le mandé al diario, porque lo redacté con verdadero interés. Gracias a Paola Galano, que logró que La Capital lo publicara dos veces. Pocas veces me encontré con esa buena voluntad en los medios gráficos.


 "En el marco del programa de "Promoción del Capital Creativo Marplatense"  que lleva adelante la Cámara de la Construcción sito en Catamarca 2474), se presenta este sábado 4 de Agosto el notable narrador Pepe García acompañado por la banda de jazz tradicional Boca Guasa. En la oportunidad se ilustrarán musicalmente los " Cuentos de Negros" que con su habitual creatividad y picardía prodigará el titiritero decano de la ciudad. Los relatos de García seguramente aludirán tangencialmente a aspectos críticos de la cultura  de nuestros tiempos. Consultado acerca de sí sus relatos serían apropiados para niños y niñas, Pepe responde que siempre lo son, aunque recomienda que asistan acompañados. 
La banda Boca Guasa adopta el nombre con la que se apodaba burlonamente a Louis Armstrong en su temprana edad. Su repertorio es el del nacimiento del jazz,  una música sencilla y candorosa, pero que  comparte con la infancia la sinceridad que la hace vigente aún hoy. Combinado con el arte de un artista como Pepe García, viene a demostrar que la juventud no es una cuestión de edad cronológica, sino de una actitud frente a la vida". 


miércoles, julio 25, 2018

Puercoespines

Ya llevo unos cuantos años en esto de juntarme para hacer música.  Creo que fue Schopenhauer el que dijo que éramos como los puercoespines: nos juntamos para sentir calor, pero al hacerlo nos pinchamos. Salvo que uno toque un instrumento que funcione autónomamente como el piano o la guitarra, no hay otra que rodearse de otros para armar conjunto. Algunos se retiran de la contienda haciéndose acompañar con alguna máquina/computadora. Pero tampoco tiene gracia el prescindir de la compañía de los semejantes. Es más, realizar un proyecto compartido tiene su recompensa única y especial. Casi siempre los grupos de música pasan por un  momento de sincronía en la que se suma el entusiasmo al producir la obra en colaboración. Se genera cohesión grupal y fluye el amor entre los miembros, a veces con la gestión de un líder, pero no necesariamente. También he tenido la experiencia de grupos en la que la organización era totalmente horizontal y no jerárquica. 
Invocar el amor me lleva a pensar que muchas veces las relaciones entre los músicos se parece a la de los novios. No tiene nada de raro que la energía que nos liga entre colegas sea libidinal. Libido homosexual en mayor medida, cuando las bandas eran mayormente poblados por varones, pero ahora que hay más participación femenina, se reparte más la cosa. Así también son las decepciones. Al tiempo aparecen los síntomas. Dificultades para organizar ensayos, reproches en las tocadas, y de a poco se va instalando insidiosamente un mal ambiente. Cuando no se contestan los mensajes, (sólo te clavan el "visto") el sufrimiento es parecido al de los amantes,  al tiempo también se instala la desconfianza, que fácilmente se va trocando en odio. Y así terminan tantos proyectos. En los comienzos cariño y la admiración mutua parecen borrar toda diferencia, a la vez que la idealización oculta las carencias de cada uno. Pero cuando ya se transitaron meses o años de convivencia musical, la tolerancia disminuye, y lo insoportable parece ganar la partida.
Hace mucho tiempo recordé aquella pregunta sobre donde van las biromes que se pierden. Los proyectos musicales generalmente implican mucho tiempo, sacrificio y en ocasiones dinero. En el apogeo de lo creativo se los vive como de una magnitud enorme, y seguramente muchos de ellos son realmente valiosos. Sin embargo a veces sólo conciten la indiferencia de otros colegas y público, aún cuando son exitosos expiran sin pena ni gloria.

miércoles, julio 11, 2018

Gato Revisited

Gato Barbieri Revisitado - Discos ICM- Pablo Ledesma (sx)- Pepe Angelillo (pno) Mono Hurtado (bass) Carto Brandán (drs)


Mientras escribo escucho el último lanzamiento de Discos ICM- Se trata de una grabación que rescata el recuerdo del Gato Barbieri, en manos de músicos que pertenecen a la movida más avanzada del jazz nacional y del movimiento impro.  El sombrero del Gato que está aludida en el arte de tapa remite al período más ...¿kitch?....de Barbieri. Quizás sería más correcto decir que corresponde al momento en que se volvió popular gracias a la famosa película "Último tango en París", y al tiempo  en que adoptó un repertorio latinoamericano, haciendo una fusión que anticipó el llamado movimiento  World Music. También es justo decir que adoptaba un perfil político, que coincidía con las posiciones progresistas de Charlie Haden y Carla Bley y que confluyeron en sus colaboraciones con la Liberation Music Orchestra. 
Adoptó aquel sonido carraspeado, intercalando ciertos liks que revelan un contagio con John Coltrane,  acompañado de mucha percusión y de músicos muy interesantes como Howard Johnson en tpt y tuba.  
Si, era una música sencilla en cierto sentido, o fácilmente asimilable por un público general,  muy lejos de sus primeras intervenciones con Don Cherry y con los movimientos de la vanguardia del free jazz en Nueva York. Debo admitir que cuando lo escuché en lo '80 me cautivó, y creo haber gastado el carretel de un cassette que escuché con insistencia en ese período.
Pablo Ledesma es un músico especialmente dotado para rescatar el legado de quién fue un ícono de en la historia del jazz argentino. Siendo un destacado intérprete de lo que es la forma más radical de la música improvisada, tiene la edad y la madurez para comprender, apreciar y respetar a los que forjaron el campo que habitamos hoy. 
Oriundo de Rosario, el Gato se formó junto al movimiento renovador del Bop Club porteño, y alcanzó una proyección internacional sólo comparable al que logró Astor Piazzolla.  Ledesma/ Angelillo et al hacen honor a esa trayectoria, a la vez que lo retraducen al  idioma que hoy es su forma de hablar en la música.