lunes, abril 29, 2019

Valentín en la Ballena Azul

24-04-19 - Concierto de la Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto -  en la Sala Sinfónica del CCK (Centro Cultural Kirchner) - Solista: Valentin Garvie - Dirección: Gustavo Fontana.

El piquete de taxis que me recibió en el aeropuerto Jorge Newbery  casi frustra mi asistencia al concierto de Valentin en el CCK. Había hecho malabares para llegar en horario, apelando a viajar por avión y tenía poco margen para llegar a horario. Por suerte un taxista disidente me dejó subirme a su asiento de acompañante, y disimuladamente salimos como pudimos para el CCK.
No conocía la sala sinfónica, apodada la Ballena Azul, que es realmente una estructura magnífica de la que todos deberíamos sentirnos orgullosos. Todas sus cómodas butacas permiten una buena visión de su escenario semi-circular, ideal para la disposición de un organismo sinfónico. La decoración de sus paredes laterales está concebido con un criterio acústico, y en el fondo se vislumbran los tubos de un enorme órgano que completa la ilusión de que no estamos en nuestra pobrecita patria, sumida en una crisis económica terminal. Siempre es la cultura la que se considera superflua y que puede ser atacada con los cortes presupuestarios. Pero por un momento al menos, uno se podía sentir inmune. La Orquesta Nacional de Mùsica Argentina Juan de Dios Filiberto carga con un nombre demasiado largo, y con la responsabilidad de poner en relieve el trabajo de compositores argentinos. Viene de un período en que sólo ejecutaba obras del campo del folklore y el tango, pero ahora amplió su espectro para abarcar un repertorio más académico. 
Así se escucharon tres obras. La primera fue la Sinfonía del Río de la Plata, una pieza amable que quizás concede demasiado a ciertos  rasgos característicos de la música popular nacional, lo cual  le confiere cierta ligereza. La participación del trompetista solista Ezequiel Méndez elevó el interés de una música que pareciera demasiado presa del bando más folklórico del debate Paz-Ginastera. 
Lo siguieron las Cuatro piezas para trompeta y orquesta de nuestro Valentín Garvie. En contraste con lo escuchado anteriormente la música parecía volcar un chorro de aceite hirviendo sobre el público. Es difícil el poder adoptar una identidad musical nacional. Las piezas de Valentin claramente reflejan su perfil forjado en la música contemporánea europea. En momentos se asomaban reflejos jazzeros, pese a que su instrumentación incluía una fila de bandoneones y hasta la participación de un charango. Acostumbrado a la versión de youtube de dos de las piezas tocadas por la Orquesta Sinfónica de Rosario, el orgánico del la Juan de Dios parecía no poder ofrecer la contundencia requerida, y de a momentos  quedaba desbalanceada en relación a un solista hiperactivo y de despliegue virtuosístico. Trato de ser crítico...pero obviamente me tocan las generales de la ley. Claro que me siento íntimamente vinculado con esa composición (y compositor) , ya que se trata de una música y un músico que me conciernen tanto. Mis intentos de parcialidad son un tanto fallidos.
El concierto  cerró con la Serenata para orquesta, op 43 de Guillermo Zalcman. Que la obra figure con número de opus da una medida de lo prolífico de la producción de este compositor. La Serenata logra sortear con bastante éxito el dilema planteado más arriba, y no hace concesiones fáciles al nacionalismo musical. Es una partitura que refleja un conocimiento profundo de la paleta orquestal, y por momentos su complejidad contrapuntística es desafiante. Recién en el último movimiento (Danza) el espectro  de Ginastera parece campear sobre la música. 
La eficacia en la conducción de Gustavo Fontana se puso especialmente de relieve en esta obra. Su prolijidad y gesto claro fueron claves en lograr un muy buen resultado de la orquesta. 

martes, abril 02, 2019

La mujer que ronca

28-03-19 - La mujer que ronca - Sala Piazzolla del Teatro Auditorium - Dirección Artística y Coreografía:Andrea Berutti - Mùsica: Los Carlitos.

Hace unos cuantos años, en un espectáculo homenaje a María Lozzi, vi la labor de un cuerpo de danza dirigido y coreografiado por Andrea Berutti.  En cierto modo fue una experiencia inolvidable, y desde aquella vez tuve la intención de colaborar musicalmente con bailarines enrolados en esa estética. Siempre me interesó la danza contemporánea, por haber visto muchas obras en Europa, y deseando que Mar del Plata también contara con esa herramienta artística. Hay características de la nueva danza que liberan al estilo clásico de ballet de muchas de sus restricciones. Permite un despliegue corporal que utiliza movimientos que no están permitidos en la tradición, y sobre todo desdeña el biotipo de la bailarina ideal, flaca, esbelta, alta, de rodete, para incluir la belleza de todo tipo de cuerpos. Además muchas de sus expresiones incorporan la posibilidad de la improvisación, y por lo tanto encuentro una afinidad natural entre el jazz y el baile contemporáneo.

Así fue que empezamos a colaborar con el espectáculo que tiene el nombre un tanto desconcertante de "La mujer que ronca", donde roncar no se refiere a una apnea del sueño, sino a una figura coloquial sudamericana que significa que "manda" o se posiciona firmemente. Cuando Andrea me propuso la colaboración faltaba muy poco tiempo para la fecha del estreno, de modo que hubo que apresurarse a sostener musicalmente un espectáculo de una hora de duración. Parte de la música fue parafraseada de música que ya usaban los bailarines para componer los primeros cuadros, otra porción correspondió al repertorio Carlitos, y hubo secciones acompañadas de impro libre, ya fuera de instrumentos solos o de conjunto.

El método de trabajo de Andrea y sus catorce bailarines es la del  "work in progress", por lo que hubo modificaciones coreográficos que se introducían hasta último momento, implicando cierto desconcierto a la hora de proporcionar el marco musical. Pero sobre todo, lo que causó una cuestión difícil de superar es la diferente cultura de trabajo que impera en el mundo de la danza, casi opuesta a la que estamos acostumbrados los músicos de nuestra escuela. Para empezar, los bailarines ensayan muchísimo, a veces más de cuatro veces por semana. En cambio en nuestro campo hay casi un desprecio por el ensayo...se considera una señal de pericia el poder subir a un escenario y desgranar un repertorio completo y complejo con el mínimo tiempo de ensayo. Hay una valoración  del arreglo escrito, establecido por el compositor/arreglador, que ahorra tiempo de búsqueda al tanteo. De modo que hubo que negociar los ensayos hasta el límite por lo tolerable por el grupo.  En total, fueron 4 ensayos...5 si sumamos el general, más algunas visitas uno o dos de nosotros que hicimos a la compañía mientras construían su coreografía. 
Por suerte todo tomó forma con la ayuda de una línea de tiempo o guión sobre el que pudimos organizar nuestra participación. En el estreno todo funcionó satisfactoriamente, pese a los nervios, sobre todo los míos!

martes, marzo 12, 2019

Verano del ´19

Este blog duerme la siesta de los vagos....han pasado mil cosas mientras sentía que estaba demasiado ocupado para actualizarlo. Ahora haré un pequeño resumen

Disfruté enormemente este verano de tres conciertos de la Camerata Mar del Plata. Vuelvo a encontrarme con la maravilla de la autogestión.  Este grupo de músicos jóvenes viene proponiendo programas de música barroca y composiciones para cuerdas con una energía realmente notable, y que se traduce en su forma de interpretar música. Todo comenzó con un primer concierto en la que tocaron dos dobles conciertos de JS Bach, el primero con los solistas Luisina Rábago y Antón Sullivan, y el segundo con los hermanos Pablo y Ruben Villalba.  Luego asistí a tres conciertos más, por lo que parece que me he vuelto fana de ellos.
 Al modo de la histórica Camerata Bariloche, tocan de pié y sin dirección. La mayoría de sus integrantes provienen de la Orquesta Amadeus que formara y dirigiera Willy Sotelo, quien además fue el responsable de la enseñanza musical de casi todos ellos. Más allá del debate que se produjo alrededor de su persona, lo que es innegable que su docencia musical ha sido muy fructífera, y casi diría que más fructífera que la producción de los organismos oficiales de enseñanza musical.
https://www.youtube.com/watch?v=pyJocp8L0V4&feature=youtu.be&fbclid=IwAR3CiGhL6DJ5ppx0RLQ99Ir2DAlc5R_VW-Pm9rGGssVikjv_yqAnflXDeEY


Asistí a demasiados gigs como para reseñar a todas. Con respecto a nuestra propia actividad sólo diré que hubo una noche memorable con Los Carlitos en el jardín del Balcón de los Santos en Santa Clara del Mar, con Valentin Garvie como invitado. 

Bocaguasa tocó casi todas las semanas, en la Feria Diagonal de Artesanos. Fue los más parecido a tocar en la calle, ya que armábamos informalmente en la esquina de San Martín y la diagonal, y la gente aportaba unos pesos en un estuche abierto para recibir contribuciones. 

That´s all folks.



lunes, diciembre 10, 2018

Sábado 8 de Diciembre - Clínica a cargo de Ken Vandermark - (en Ecem durante el 8vo Festival de Jazz en Mar del Plata de ICM)

Me ofrecieron oficiar de traductor de la clínica. Nunca vuelvo a hacerlo  a no ser que  encaremos la labor entre todos, pero de una manera ordenada y concertada. Al final casi todos entienden o hablan inglés....tenemos que acordar que la traducción sea un corto y preciso debate acerca de lo que está diciendo el expositor. Escuchar y traducir es un doble trabajo, en la que no pienso reincidir en las mismas condiciones.

Pero quisiera condensar lo que me parece lo más central de lo que trasmitió Ken Vandermark, alto referente del movimiento de impro libre basado en Chicago pero reconocido en el ambiente de la improvisación experimental en USA y Europa. 

Comenzó historiando el proceso de la AACM (Association for the Advancement of Creative Music) que reunió a todo una pléyade de músicos improvisadores radicales afroamericanos. Nos explicaba que en algún momento se preguntó cómo fue posible que sugirieran en el mismo tiempo y lugar más de 20 músicos   de la misma generación que compartían las circunstancias raciales y políticas de su momento, pero todos claramente diferenciados. Cada uno desarrolló una voz y personalidad musical distintiva y original. Pensaba que era estadísticamente imposible que eso fuera un fenómeno espontáneo.
Su explicación se centró en el rol del  pianista. docente y compositor Richard Abrams. Él exigía una condición para aquellos que querían ingresar al colectivo. Debían aportar composiciones para instrumento solo, para pequeño grupo y para en ensamble grande de la asociación. Eso se tenía que cumplir supieran o no técnica compositiva, cuando algunos ni siquiera tenían mucho dominio de teoría o lenguaje musical.
De ahí surgieron compositores e intérpretes tan diversos como Albert Ayler, Henry Threadgill, Roscoe  Mitchell y todos los integrantes del Art Ensemble of Chicago entre otros.
De modo que lejos de la uniformidad que se podría esperar por la pertenencia a una cooperativa y entidad con ideales comunes, surgieron todas esas singularidades.

Hasta ahí lo que me parece más importante para grupo de músicos marplatenses que formamos el colectivo ICM. Ahora consigno un par de conceptos importantes para quienes quieren desarrollar un idioma dentro del marco de la improvisación libre:

Según Vandermark, Anthony Braxton se encontró en dificultades para cumplir con la consigna de improvisar en solo set durante una hora. A los pocos minutos se habría quedado sin ideas. Para resolver su problema se dedicó a hacer una lista pormenorizada de todos los elementos que intervienen en la ejecución de su instrumento, asignándole un icono a cada uno de ellos.
Resultado de imagen para anthony braxton's list of musical icons

Lo que a su vez se propuso Ken fue armar su propia lista de elementos extraídos de su forma de abordar su instrumento, en lugar de adoptar la clasificación de Braxton. Una vez identificados, dispuso de ellos para armar su rutina de práctica. También combinaba en forma variada el orden de los elementos, y procedía durante un período determinado de tiempo (que no recuerdo cuánto era) en pasar de un elemento a otro. Además agregó el factor rapidez, tratando de intercalarlos cada vez más rápidamente. 
También observó que las escuelas de impro libre se desarrollaron en forma diferente en distintos centros de Europa. De modo que estudió las características de lo que hacían en Alemania  a diferencia de lo que sucedía en Holanda, y con especial interés lo que surgió en Inglaterra. 

En el transcurso de la hora y media habló de una gran cantidad de cosas...por ejemplo insistió en que había que tratar de concentrarse en lo que a cada uno le atrae en el campo musical, para jugarse ahí. No sería necesario atravesar todos los requerimientos de la academia. Pero por el otro lado su método pareciera implicar una buena dosis de disciplina y perseverancia. 

En nuestro caso, no creo que todos nos propongamos el camino de la impro libre como forma exclusiva de expresión musical. Pero rescato que el colectivo estimule la diferencia en los caminos de cada uno. Creo encontrar cierto paralelo con nuestra situación. No es una prescripción formal y declarada, pero me parece percibir que en ICM se valora especialmente la composición original. Creo que el resultado hasta ahora ha sido bastante diverso e interesante. 

miércoles, noviembre 28, 2018

25 - 11-18 Orquesta Sinfónica de Estudiantes c/ Pepe García - "El Nacimiento de la Nación" - Sala Roxy del Complejo Roxy-Radio City director invitado: Eduardo "Chelo" Lamas


El domingo 25 tuve la suerte de poder asistir al concierto de la Orquesta Sinfónica de Estudiantes, un organismo muy numeroso que funciona de un modo totalmente autogestionado, e integrado por estudiantes de música de diverso nivel. Me impresionó el número de las cuerdas, que obliga a una particular disposición de los violines a ambos lados del director. 
Al lado del podio se ubicaba el titiritero Pepe García, que intervenía con relatos alusivos a los hechos que condujeron a la independencia nacional. Cómo sólo lo puede hacer Pepe, tomaba eventos que suelen ser solemnemente transmitidos en el ámbito escolar y los transformaba en adorables retratos que seguramente quedarán mejor grabados en la memoria del público infantil, que de sus lecciones de historia escolares. Así tomó vida el soldado Agapito, a quién Belgrano le cuenta su idea de crear una bandera, para luego vanagloriarse con el Gral.San Martín de haber sido él el inventor de la celeste y blanca. O la desopilante interacción entre el caudillo Guemes con Juana Azurduy, que vapulea al caudillo exigiendo el trato de "Teniente General de la Nación", para luego desorientarlo con una artimaña de invitarlo a que le diga "Juanita nomás".
El sonido de la orquesta debería poner en guardia a los músicos que componen nuestra sinfónica municipal profesional. La afinación de las cuerdas me volvió a sorprender. Quizás los vientos de diverso pelaje deben ganar un poco en confianza y número, pero aportan toda la riqueza que caracteriza la sonoridad de una agrupación sinfónica. 
El repertorio consistió en una colección de motivos folklóricos y nacionales, mezclados con instrumentaciones de canciones patrias. En el caso de Aurora, participo el tenor local Miguel Silva Macías. En dos momentos la orquesta abordó dos obras del repertorio clásico que en general no serían encaradas por agrupaciones no profesionales. Una fué la marcha triunfal de Aída, y sobre todo la Obertura 1812, al que sólo le faltaron los destellos de fuegos artificiales. Estoy seguro que los espíritus de Verdi y de Tchaikovsky sonreían complacidos.
Ubicado en el fondo, la tuba del maestro Guido Mella (un músico experimentado, pero con alma de estudiante) sostenía al conjunto con su sonido aterciopelado y envolvente. 
Tengo una gran curiosidad por saber cómo se las arregla Luz García Souto para gestionar semejante empresa voluntaria, y cómo obtienen sus arreglos para la particular integración instrumental del organismo. 


lunes, septiembre 03, 2018

Primera grabación de Bocaguasa

Vuelvo a evocar esa foto intervenida que me enviara hace un montón de años Norberto Gandini. Quise utilizarla como ilustración del primer álbum de Bocaguasa que subimos a Bandcamp, y que se puede visitar en bocaguasa.bancamp.com 
El sábado 26 de Agosto nos juntamos en el SUM del ECEM, nos dispusimos en círculo, y con un grabador digital registramos 9 temas en primera toma que conforman el álbum.
Estos son los tres amigos que hacen posible este trabajo:
Daniel Alberola (saxo alto): Lo más difícil de discernir cuando se trata de tocar al modo del jazz primigenio no es saber lo que hay que tocar, sino lo que NO hay que tocar. Cualquier desvío destroza el acotado campo estético del estilo. Daniel viene a confrontar ese problema cuando proviene de un campo tan diverso como de tocar aerófonos para conjuntos folklóricos y vientos en el grupo Huayra Mapu. Su musicalidad le permite entender el problema y hacer una adaptación rápida al género.
Matías Rivara (Tuba). Matías es hoy el trompetista estrella de Mar del Plata. Es el líder de varios grupos  interesantes como Proyecto Reuteman, el grupo de afrobeat Niki Lauda, y su propio cuarteto. Ocasionalmente toca como refuerzo de la Orquesta Sinfónica Municipal. Sin embargo no tiene inconvenientes de calzarse la tuba margarita y darnos ese apoyo desde los bajos que es esencial para la música de Nueva Orleans.
Julian Tavela (banjo). Julián es un rara avis en la población de músicos con formación académica. Guitarrista consumado y egresado de la carrera de música contemporánea de la Universidad de Quilmes, no es raro verlo huyendo de los inspectores musicales luego de copar una esquina en el centro, tocando con Mati Niño Orquesta o Los Pibitos Orquesta.  

Por último estoy yo, queriendo hacer mi íntimo homenaje tanto a Gandi (Norberto Gandini), como a todos aquellos a los que admiraba en mi adolescencia; Dicky Canci, Sergio Tamburri, Alejandro Winkler, Carlos Borsalino, Saúl Lottemberg, Gustavo Meilij, Aníbal Bettinoti Eran aquellos  Santos Lugares Stompers a los que viajaba por horas desde Quilmes para verlos ensayar en La Florida. Y en particular a Luis "Kacho" Rodríguez Jurado que me retornó a la actividad en 1972 en su histórica visita a Mar del Plata. 
Con Bocaguasa hago un repaso de mis orígenes...aquellos que me llenaron la vida con tantos episodios en Mar del Plata de la primera Rambla Vieja J.B y la Criolla JB, y con tantos amigos, que hoy tengo tan presentes aún cuando algunos de ellos ya no están.
Mientras sigo con mis experimentos con Los Carlitos, reservo un pedazo de mi corazón para esta vieja escuela, que sigue en los cimientos y el espíritu permanente del Jazz . Creo que siempre habrá quienes quieran mantener esta llama.

lunes, agosto 27, 2018

Arte

25 de Agosto 2018-  Fernando Moran (sx sop) Mariana Amenta (voz) Mario Mocho (pno) SUM del Ecem-


No éramos más de 5 o 6 personas el sábado pasado en la pequeña sala de recitales del Ecem.  Siempre me embarga una perplejidad cuando no veo que haya más gente dispuesta a aprovechar lo que es una oferta de singular valor, especialmente para nuestro medio marplatense. No sé si es culpa nuestra por no saber difundir...o simplemente todavía no hemos podido generar interés en propuestas creativas no convencionales.
Saxo, cantante y piano no es una formación muy habitual, y tenía curiosidad por saber cómo se las arreglarían para hacer un programa atractivo. Pero  tuve suerte de presenciar un momento de inusual belleza y originalidad. 
Todo comenzó con un solo set de Fernando Moran que recurriendo a respiración circular desplegó un tapiz de notas que en rápidas secuencias generaban nubes de curioso formato. Muy al modo que supo iniciar el prócer Evan Parker, y que me hubiera parecido imposible escuchar en nuestra humilde aldea.
Luego el trío presentó una bellísima composición de Steve Lacy, un músico que sólo conocen los iniciados. Pese a que estuvo forzadamente en la Argentina unos meses en la década del  70, no secuestrado pero casi, muy pocos de nuestros músicos lo conocen. Se trataba de "Art"...una bellísima melodía que Lacy compuso en base a un poema de Herman Mellville (si, el de Moby Dick y de El Escribiente).  Se trata de un corto texto en que se celebra la invención en base a la articulación de elementos insospechados, aún contrarios, ("..prestando forma, creando vida pulsante") y que que remata en una analogía de Jacob en la lucha con el Ángel, cita bíblica que alude a una lucha que genera relación con la divinidad. 
In placid hours well-pleased we dream 
Of many a brave unbodied scheme. 
But form to lend, pulsed life create, 
What unlike things must meet and mate: 
A flame to melt—a wind to freeze; 
Sad patience—joyous energies; 
Humility—yet pride and scorn; 
Instinct and study; love and hate; 
Audacity—reverence. These must mate, 
And fuse with Jacob’s mystic heart, 
To wrestle with the angel—Art.

La fantasmal melodía de Lacy interpretada al unísono  Mariana Amenta y de Moran instaló un clima mágico en nuestro SUM...Mariana se auxiliaba con cierto procesamiento electrónico de la voz a la vez que mezclaba gorgojeos y clicks  flirteando con los bordes de lo microtonal.
Mario Mocho nos visita con frecuencia desde Buenos Aires. Hace uso inteligente del pedal de sustain para mantener un soporte de envolvente sonoridad. El piano no puede evadir su carácter temperado, pero su movedizo recorrido por puntuaciones de intervalos inesperados y acordes extendidos mantenían fluidez y movimiento al conjunto.
También demostró que no por abrazar una estética impro, deja de poder acompañar un standard como "Like Someone in Love". Igualmente en su solo no dejó de tomarse la libertad de recorrer senderos extraños sugeridos por el momento espontáneo.