Ornette Coleman y lo contemporáneo.

 Hace unos días, Lucho Monte, el baterista de lOs cArLiTos, (y de varios grupos más), sugirió que hagamos un tema llamado T & T de Ornette Coleman.  Se trata de una larga exposición del baterísta, que se pasea por ritmos que básicamente suenan africanos y de a ratos orientales. Ornette y Don Chery lo interrumpen un par de veces al comienzo y al final con una interjección melódica, muy corta, pero extraña al oído. Me pasé varios día intentando transcribirlo pero chocando con un muro de imposibilidad, que atribuí a mi mala formación en lenguaje musical. Pero Valentin me contó que Günther Schuller tabién lo intentó y fracasó. Es cierto, una vez hicimos una versión de "Una muy bonita" de Coleman, en la que intenté basarme en la transcripción de Schüller, pero que no me convenció. Parece que dijo que la música de Ornette se resiste a ser "occidentalizada"

Me parece que eso es muy cierto, pero también pienso que Ornette tampoco puede ser considerado ajeno a la tradición occidental, y del jazz en particular. De hecho muchos de sus temas reflejan los blues y tienen giros jazzeros clásicos. Por otro lado, es alguien que toca muy diferente de Charlie Parker. No se le nota para nada esa influencia, cosa que si sucede con casi todos los demás, aún me animo a decir, a John Coltrane.

Mi teoría es que Coleman fue, o es, un músico verdaderamente contemporáneo. ¿Pero, qué es ser contemporáneo?. Esa pregunta se la formula Giorgio Agamben, en un precioso artículo del 2008 llamado ¿Qué es lo contemporáneo?  

 https://ia801405.us.archive.org/29/items/agamben-que-es-lo-contemporaneo/agamben-que-es-lo-contemporaneo.pdf

Como todo texto de Agamben, no basta una sola lectura superficial como la mía para agotar su contenido, pero creo que puedo extraer algunas notas que aporta a mi cuestión con Ornette.  Contemporáneo es el que se puede ubicar como a trasmano de su tiempo. Se me ocurre la figura de alguien se desmarca y toma una posición oblicua, no en línea con la tendencia de su tiempo. Desde ese ángulo novedoso, puedo "ver" la oscuridad de su época. También puede intuir su luz, pero esa luz todavía no le llega, es como la de la luz de las galaxias que retroceden. El mediocre se cree inundado de una luz epocal. Está convencido de sus ideales de época. Yo creo que eso se aplica a los que son verdaderamente innovadores en el arte, y en particular, en la música. Pero hay otra nota que se vincula con esa noción tan resbaladiza como la del tiempo. Agamben señala que el contemporáneo sigue en contacto con lo arcaico. En nuestros términos jazzeros, sería la "tradición", en el momento inaugural.  Lo arcaico reúne dos términos griegos. Primero el kairos. Se trata de una noción no lineal, no cronológica del tiempo, que apunto a la trascendencia del momento. Es lo que Heidegger llamaría el ex-stasis del tiempo, de modo que no se ajusta a la estética trascendental de Kant. (perdón por la nerdeada). A ver, más simple. Sería esa experiencia del tiempo que no termina nunca, en la que uno se deja llevar perdiendo conciencia del reloj.  La otra dimensión de lo arcaico, siguiendo una búsqueda etimológica, es el arjé que apunta al principio, al momento originario, a un big-bang de la idea, de un movimiento.  

En fin, así son contemporáneos, Sócrates, Galileo, Freud, y qué sé yo, James Joyce, y...Ornette Coleman.

Se me acaba el tiempo de sacar esa frase de T & T

 

Return to Carlitos

 Return to Carlitos fue grabado en septiembre de 2023. (Yo creía que fue en 2022). Lo que recuerdo es que me apresuré a hacerlo porque pronto Lucho Monte se debía embarcar en un crucero. Yo recìén salía de una infección Covid y tenía un problema de dientes movedizos que debí solucionar con una larga intervención odontológica. Sin embargo me pareció necesario documentar nuestro repertorio del momento, que consistía en un retorno a la fórmula que habíamos adoptado desde nuestros ini ios . Me refiero a la utilización de esquemas melódicos muy sencillos, que servían de disparadores de secciones más extensos de improvisación. Grabamos del mismo modo en que tocábamos nuestros sets en vivo. Enganchábamos tres temas sin solución de continuidad, hacíamos un intermedio, para luego enhebrar otros tres. Así, se grabó el disco muy rápidamente, práctcamente sin interrupciones, y en primera toma. Como terminamos temprano, fuimos a comernos unas milanesas gigantes en el Manolo de la costa. El disco salió recién este mes de Junio, y la verdad es que no me parecía que no merecía mucha atención. Supongo que pormotivos más vale egoístas, ya que sentía que mi performance había sido pobre. Pero para mi sorpresa, la plataforma Bandcamp lo seleccionó como uno de los mejores lanzamientos del mes!

De modo que así como no hay que tomar muy en serio lo que dicen los críticos, tampoco hay que darle importancia a las opiniones propias.

https://daily.bandcamp.com/best-jazz/the-best-jazz-on-bandcamp-july-2024

lOs cArLiToS en CABA

 16-07- 2024 - lOs cArLiToS  recargados en Prez. Garvies x 2, Federico Viceconte tnr sx, Barto Camus, str bass, Lucho Monte dr, Julián Maliandi gtr.

 Tengo pendiente de lectura completa de la novela de Estanislao del Campo sobre el Fausto Criollo. Por lo que recuerdo de la secundaria, un paisano apea su caballo en el Teatro Colón y asiste a una representación de la ópera Fausto.  Obviamente el pobre gaucho se encuentra perdido en los códigos del sofisticado y culto entretenimiento citadino.

Del mismo modo,  lOs cArLiTos marcharon desde nuestro pueblo, Mar del Plata, a tocar en CABA, en el lugar que se ha convertido en el local más encumbrado del jazz progresivo porteño, el Club Prez.  Para esta ocasión, reclutamos dos refuerzos para hacer frente al compromiso. Sumamos a Julián Maliandi y a Valentín Garvie, que sin duda le dieron octanaje extra al repertorio. Tuvimos un primer set con buen número de público. Entre ellos estaba el Bocha Savastano, que es un leal seguidor cuando vacaciona en mdq. Además había gente de Ranelagh, mi pueblito natal. Se trata de un rincón del sur de conurbano, que alguna vez fue enclave de familias inglesas. Para ellos y para Bocha, tributé un himno anglicano que sirve de cortina de los programas de radio, y que era repertorio de lo que se cantaba en la escuelita dominical, de donde salí un redomado ateo. 

Nuestra experiencia porteña no estuvo tan plagada de malentendidos como las del paisano que fue a escuchar ópera, pero alguna chambonada teníamos que hacer. Momentos antes del ingreso del público, descubrimos que una cuerda del contrabajo de Barto Camus estaba roto, ¡y en dos lugares! - Moraleja: siempre llevar cuerdas de repuesto se se sale de gira. Nos salvó la pericia de Fede Viceconte que logró hacer unos nudos mágicos que permitieron que se pudiera utilizar la cuerda más utilizado del contra, el del Re. 

El segundo set no estuvo tan concurrido, pero lo usamos para distendernos y tocar algunos solos extra. Los pibes sienten que musicalmente el primer set estuvo mucho mejor, pero yo creo que tienen esa sensación porque se trató de un público muy involucrado que nos aplaudían generosamente. Contamos esta vez con la presencia de Martin Carrizo. Pero como recién regresaba del Vision Festival,de Nueva York,  a lo mejor nuestros humildes Carlitos le parecieron poca cosa. Así son estos porteños.

Luego fuimos a amontonarnos en el piso del pequeño departamento de Valentin, y a la madrugada emprendimos el regreso a nuestro rancherío.

Componer será como cocinar?

 No hace mucho, asistí a una jornada organizada por Osvaldo Picardo y Rafael Oteriño. La consigna de la reunión era tratar de situar el acto creativo, a partir de una comparación con la gastronomía.  Se comparaba la cocina con la escritura, y la música. A tal fin integraban el panel un escritor (Carlos Aletto) y un músico (Nicolás Pasetti). Ellos debían dar cuenta de lo que los motivaba, en un caso, a escribir, y en el otro a componer. La hipótesis implícita era que había algo en común de estas empresas con el de cocinar. Sin embargo, no participaba ningún cocinero, lamentablemente.

Mientras escuchaba a los expositores pensaba que era casi una crueldad pedirles que dieran cuenta de aquello que los llevaba a crear. Tratar de aislar la clave de la creatividad pareciera tan difícil como descubrir el flogisto. Pero mientras los escuchaba no podía dejar de hacer intentos propios de responder a la pregunta “porqué y cómo se crea”, en la medida en que, en una minúscula medida, he intentado producir algo con pretensiones artísticas.

Lo que sigue intenta reproducir algunos de mis devaneos, que obviamente me distraían de lo que se estaba diciendo desde el panel. Es que algunas de sus frases, o de los comentarios de los organizadores, me disparaban un hilo de divagación.

Se escucharon las habituales referencias a la necesidad de expresarse, al ejercicio de una libertad. a los referentes que avalan, lugares comunes de una concepción romántica del quehacer artístico. Entre otras cosas, escuché que en el acto creativo poco tenía que ver la búsqueda de reconocimiento o de fama personal.

Pero tengo mis dudas sobre eso. Puedo fingir humildad, pero también confieso que no me es indiferente que a alguien le interese lo que hago. Y si tengo que confesarme, debo admitir que me preocupa aún más lo que piensan mis colegas músicos sobre lo que hago.

Uno de los presentadores preguntó sobre la implicación del lenguaje en la experiencia de los panelistas. Eso fue rápidamente tomado como un eje, obvio en el caso de la poesía. No quedaba tan claro el caso de la música, sí se considera a la música como algo extralingüístico. Pero con pensarlo un poquito se ve que, más allá de que haya un lenguaje musical específico, lo lingüístico se entrelaza en la composición, se trate de obras que tengan letra o no. La combinación de las notas sigue una lógica que pertenece a un orden simbólico, por el otro lado, aún en los intentos más vanguardistas de rompimiento con la forma, la referencias al tesoro de lo previo son inevitables.

De ahí salen las mezclas que constituyen lo nuevo Esto podría emparentarse si se quiere, con la cocina de autor. Donde también nace esa extraña compulsión no sólo a hacerlo, sino a mostrarlo, a querer difundirlo.

¿De dónde sacará su fuerza esa obcecación? En el caso de la comida se puede adivinar un motivo primrio poderoso: el hambre. O el apetito si no se quiere ser tan crudo. Eso que hace que al menos tres veces, o cuatro al día queramos volver a comer. Algo que nos pide el cuerpo.

Los creativos también hablan de una necesidad casi visceral de hacer lo suyo. Como que no se podrían no hacerlo. Y aquí se podría cuestionar la función del lenguaje si no fuera que hasta nuestra conducta alimenticia está guiada por ella. Y desde los inicios, de cuando nuestras madres nos propusieron comer. Pronto el mero reflejo se vio condicionado y moldeado por las palabras.

Pero hay un punto donde las palabras son insuficientes, o donde falta la palabra. Hay aquello que nos vincula a lo que ya no tiene nombre, aunque haya sido derivado de los nombres.

Algo que subyace a la producción, aun cuando no se lo puede identificar. El escritor avanza guiado por algo que no sabe bien que es. El músico teje su paño sin saber que prenda es la que va a terminar armando. ¿Y el pintor? Puede ser que encare la tela con una idea de lo que quiere representar, ya sea un modelo o un paisaje. Pero sospecho que también se desvía en la serendipia de lo que surge mientras avanza, que pareciera ser conducido por algo que lo guía. En el resultado a veces puede encontrarse con algo inesperado y desconcertante. Estuve leyendo una cita de Sonny Rollins, donde hablaba de lo que le pasaba cuando improvisaba. Decía algo así como que cuando lo hacía, abandonaba su ser de tal modo que no necesitaba pensar en lo que estaba haciendo. Decía que actuaba de acuerdo a su inconsciente (aunque usaba la palabra “sub-conscious”.  (Sonny es saxofonista, no un teórico del psicoanálisis)

Ahora si doy un paso más en mi especulación, podría suponer que eso que está en la raíz misma del empuje/tironeo del deseo de hacer obra, se independiza del artista, y se ubica en una posición tal que actúa como causa. De modo que desde ahí motiva, impulsa y genera algo que no viene autorizado desde ningún lugar pre-establecido. A lo que se puede sumar estar en un ambiente que no favorece ni facilita una acción creativa.

Es lo que nos que nos sucede en estos tiempos. Hay mucho olor a mierda en Dinamarca. Y el tiempo está descoyuntado. Todo está dado vuelta de modo tal que no sabemos bien donde estamos parados ni que irá a suceder. Sin embargo, la gente sigue inventando cosas. Sigue habiendo gente que trabaja en los comedores, y en el terreno de la cultura, no se detiene la producción. Quizás, al contrario. Se dice que la creatividad florece en los períodos de catástrofe.

O quizás se podría pensar que es la respuesta posible que resguarda al que tiene que atravesar la tormenta. Mientras lo rodea el desastre, se produce una zona que no tiene vigencia el tiempo ni la muerte.

 

 

Rápida Actualización

 Visito el blog brevemente para hacer una actualización, ya que veo que ha estado inactivo desde Enero. Mientras tanto van sucediendo las situaciones, que van ganando movimiento a medida que salimos del sopor del verano. Sucedió un nuevo Jazz en Abril (12 y 13 de Abril 1924) organizado por Sole Curien, Pablo Espinosa y Aldo Roldan. Si es que se lee en el futuro esta entrada, se tendrá que tener en cuenta que la Argentina está dada vuelta por la política económica del gobierno de J.Milei. Al contrario de las exultantes declaraciones oficiales, la inflación pegó un salto tremendo, los costos están descontrolados, los ingresos licuados y las expresiones culturales están, sin excepción, jaqueadas por un concepto economicista que las considera un costo superfluo. De modo que armar el festival es un acto de testarudez notable. Por supuesto se tuvo que realizar de un modo muy austero, contando casi totalmente con bandas locales, con la excepción de la Dixie Banda de La Plata, que considera que concurrir al festival es casi una cuestión moralmente ineludible. Como gran sorpresa y premio inesperado, también se contó con la presencia de Juanjo Hermida, que combinó una visita familiar con una participación en lo que siente como parte de su historia, ya que él empezó su carrera profesional a los 13 años como pianista estable en la Confitería Orion,  con un permiso judicial que le tramitó Oscar García Rabini, que por entonces promovía el Jazz Club de Mar del Plata.  Este festival y esa confitería  también formaron parte de mi historia, dado que era el único lugar donde tocar cuando regresé en1985 de Londres, y a pesar de mi incompatibilidad ideológica con la mayoría de los integrantes del Jazz Club, fui de los que tocaban bajo sus auspicios. De modo que este año también me anoté, esta vez con la Hot Tamale Band, con la que mantenemos prendida la llama del viejo jazz tradicional con la que me inicié. 

Mientras tanto, también hubo tocadas con lOs cArLiToS,  tanto en el Club Tri como en Ecem. A propósito de Ecem, debo decir que pese a las contrariedades sigue funcionando. La concurrencia a las tocadas está muy reducida, a la vez que cobramos entradas cada vez más exiguas. También hemos sufrido inundaciones y problemas edilicios. Pero eso debería ser tema de otro post.

Woody Allen, el jazz y el imperialismo

 Acabo de ver una película de Woody Allen llamado "Cafe Society" que es del 2016. Como en casi todas sus películas la banda de sonido consiste en una colección de grabaciones de jazz, algunas clásicas, y otras que bordean el campo de lo que era la música popular de los 40/50. Muchos de los temas son standards a los que apelamos aún hoy en las jam sessions. Escucharlos en esas grabaciones datadas causan el efecto buscado, que es retrotraer al espectador a los años "dorados" de Hollywood, cuya pátina brillosa ocultaba el turbio mundo del negocio del espectáculo, plagado de corrupción, decepción y sufrimiento. Pero la mirada ácida de Woody abarca al mismo tiempo casi todos los aspectos del "sueño americano". La trama enhebra una historia romántica que aunque cautivante, es sólo una excusa para desenmascarar tantas ilusiones que ingenuamente habitan en la sociedad norteamericana. El mundo de los negocios, de la política movida por los  lobbies, y los intereses espurios de sus protagonistas. De la trastienda donde se mueve el mundo criminal. El trasfondo de la cultura judía en la que Allen se crio tampoco se salva de su visión crítica, aunque no deja de tener una nostalgia casi benévola sobre sus contradicciones, y su naturaleza fundamentalmente humana. 

Pero lo que me vuelve a lastimar es cómo la cultura norte-americana me atraviesa desde el momento que toco jazz, sin advertir el  su monto de alienación que eso implica. Como comenté en el posteo anterior, disimulaba ese extravío adhiriendo a la vertiente negra y casi folklórica del jazz original y de los músicos negros rupturistas que siguieron después, y de los que aún hoy practican un arte que cuestiona las normas estéticas que rigen los gustos comerciales. 

Por eso, cuando el jueves pasado luego de una jam en el Club Tri se subió Patricio Quinteros a cantar una zamba de Atahualpa Yupanqui, sentí algo refrescante y aliviador. Igualmente, cuando al cerrar la jam de los viernes en ECEM , Marina Àbalos se sentó al piano y nos tocó unas hermosas chacareras, pensé que debíamos sentirnos más orgullosos de nuestra música y tradición Argentina. Son tiempos en que lo tendremos que defender con fuerza, porque las fuerzas del imperialismo cultural nos acechan. 

Piñateras versus la Verdad.

 Me preguntan por el significado de la palabra "piñatera".  Aventuro esta definición:

PIÑATERA: Término despectivo para designar una agrupación de jazz tradicional convocada "ad hoc"  para tocar en algún evento, básicamente por interés comercial, y poca consideración por el estilo, repertorio,  o compatibilidad de sus integrantes.

Se podría agregar que la palabra evoca la idea de piñata, en el sentido de sus contenidos diversos, y puñatera, término del léxico vulgar, cuyo significado me eximo de explicar.

Se podría agregar que tiene una similcadencia con la palabra "pochoclera". Sería una asociación bastante acertada, ya que su música sería fácilmente asimilable, basada en lugares comunes, de modo que "a la gente le guste"

El desprecio por las piñateras tiene, sin duda, una veta elitista y dogmática. En un posteo anterior, hablé del tema cuando redacté una suerte de obituario por el fallecimiento de Carlos Balmaceda, un músico prócer del jazz argentino. Èl sufrió los prejuicios de los supuestos expertos del jazz, por el hecho de haberse ganado la vida armando piñateras. Por otra parte, por sus piñateras pasaron casi todos los músicos de la época. ávidos por ganarse un mango.

 https://vivabuddybolden.blogspot.com/search?q=Carlos+Balmaceda+RIP

Debo dar cuenta de mis propios prejuicios. Ocurre que mi acercamiento como adolescente al jazz estuvo fuertemente marcado por una ideología que por otra parte era predominante en la época. A grandes rasgos, la narrativa era que el jazz original estaba marcado por la lucha por la libertad de los esclavos de las plantaciones del sur de EEUU- Los pobladores de Luisiana, en particular de New Orleans,  eran descendientes de africanos que habían sido transportados en condiciones lamentables en los barcos esclavistas. Así como habían sido explotados por sus amos coloniales blancos, su música también fue apropiada por los blancos, que convirtieron sus composiciones, sus spirituals, sus cantos de trabajo, sus blues, en productos de consumo masivo, degradando sus puros rasgos folklóricos en mera mercancía. 

Por cierto que hay un núcleo de verdad en esta caracterización, pero quizás me dejé influenciar por una versión un tanto simple de lo que en realidad fue un complejo proceso de aculturación. 

De ahí que la búsqueda consistía en lograr la pureza estilística. Era una empresa casi imposible, pero lo que más importaba, muy por encima de las consideración técnicas, era lograr una estética lo más parecida posible a la de los primeros músicos del género. Hubo quien lo logró casi perfectamente. Fue el cornetista Norberto "Gandi" Gandini, (hermano del célebre compositor académico Gerardo Gandini)- Los demás sólo podíamos tratar de aproximarnos a su logro, por lo que se vivía en un permanente estado de pecado. 

A pesar de que pude estar extraviado en mi ideal fundamentalista, todavía me queda admiración por el modelo negro del jazz temprano, y supongo que siempre estaré rindiendo tributo a esa tradición.

 

 

Rambla Vieja Jazz Band -Octubre de 1972

  

¡Ay! que chiquita que sale esta foto de hace 52 años, cuando recién arrancaba la Rambla Vieja Jazz Band. Fue mi primera aventura jazzera en Mar del Plata, iniciando un recorrido que dura hasta el día de hoy. Los que están en la fila de atrás, de izquierda a derecha son:

Carlos (Lázaro) Maffei, (trbn)  José Lanata , (perc), Esteban Garvie (cnt), Juan Carlos Jáuregui (clte), Vito Martinelli (clte).  

Sentados en primera fila;

Laci Trakal (cnta), Javier Vicente (pno) y "Margarita" Páez (bjo)

Javier Vicente es que me envió esta imagen ayer. Él,  Maffei, Jáuregui, y yo, somos los únicos que seguimos vivos. Éramos un grupo de muchachos llenos de energía, que con recursos musicales limitados, pero mucho fervor por el jazz, lanzamos un movimiento que Ferio Espinoza denominó "La segunda ola del jazz marplatense". Sin saberlo, iniciamos un movimiento que hoy se ramifica en diferentes direcciones, pero que sigue con fuerza renovada en nuestra ciudad. No pude dejar de hacer este posteo, en honor a cada uno de los que ya no están, pero cuyo legado continúa. 

 1-10-2023 -  Ecem-  Martin DeLassaletta 4to-  Natanel Edelman (pno) Valentin Garvie (Tpt) Javier Puyol (dr) Martin DeLassaletta (str bass/ comp)

Hola! Qué tal, tanto tiempo!. Soy Garmendia, de regreso luego de larga ausencia. Hoy vuelvo al periodismo musical, para contarles lo que pasó en Ecem con el nuevo grupo de Martin DeLassaletta. Fui a escucharlo por que me daba curiosidad lo que anunciaban: En el recital iban a  presentar nuevas composiciones dedicadas a los indios Quilmes, unos indígenas que vivían en esa ciudad bonaerense.  ( y por eso la cerveza se llama Quilmes). Por eso me disgustó que escribieran mal el nombre. Les pusieron Kilmes, con K, cuando todo el mundo sabe que se escribe con Q, Quilmes! No sé de donde sacaron que tocaban esa música, que parecía más ese jazz que tocan ahí, que mucha melodía no tiene. Encima en un momento tocaron un  tema de Victor Jara, que era un comunista chileno,  y que de indio no tenía nada. Además no me pareció que los instrumentos que usaron tuviera mucho con los instrumentos de esa gente. No había guitarra, ni bombo, ni charango. No creo que los indios usaran piano de cola. Encima, uno de ellos que tenía más cara de alemán que de otra cosa, tocaba la trompeta!   

En fin, me fui un rato antes de que terminara, porque me estaba enojando demasiado.

Hasta pronto!

Los Románticos Latinos de Los Carlitos.

 Románticos Latinos - Discos ICM  (F. Viceconte tr sx -E.Garvie Tpt- L.  Camus-Strb-  L.Monte Dr.)

El 15 de Julio finalmente lanzamos nuestros "Románticos Latinos", que de románticos no tienen nada, más vale su contenido es un tanto agrio. Fuè grabado en Octubre del 2022, medio a las apuradas, puesto que yo tenía que salir de viaje a los pocos días. También había padecido recientemente  una infección covid que afectó mi energía, algo que se nota en mi desempeño. De modo fue con cierta ambivalencia que forcé nuestra ida al estudio. La dinámica de los Carlitos implica movimiento de repertorio, y yo sentía que los temas que habíamos estado tocando ya se volvían rancios, y que había que dar lugar a otra tanda que se venía acumulando en los papeles. También empujaba la idea discutible de dejar algún testimonio de nuestro período pospandémico. Quizás no todo deba registrarse para la historia. Pero grabar es siempre un esfuerzo, que muchas veces implica a otros, como el caso de Nico Pasetti,  que además de ayudarnos técnicamente en la grabación y mezcla, nos hizo el diseño de tapa. Debo confesar que me gustó más la tapa que la grabación...no sé de donde sacó Nico ese tatuaje de corazón tumbero, pero reflejó mejor que la música mi ambivalencia.

Los temas del disco fueron surgiendo en plena pandemia (estoy harto de las referencias a la pandemia pero qué se le va a hacer), cuando me vi involucrado en una suerte de cadena de organizaciones musicales latino-americanas, todas beneméritas, pero con el pecado de origen de haber sido convocadas por una productora de EEUU. Fueron varias reuniones por zoom, todas en inglés, en los que el objetivo era intercambiar artistas, propuestas y eventualmente invitaciones a festivales. Debo admitir que me sorprendió la actividad que descubrí en Bolivia, Paraguay, México, Chile y por supuesto Brasil. Durante ese tiempo me pregunté si no hacíamos omisión de las tradiciones musicales de nuestra patria grande, y me encontré haciendo las mismas preguntas que animaron la famosa polémica entre Ginastera y Carlos Paz...(en realidad no sé si polemizaron tanto ellos o los críticos criollos) entre una estética que recoge las tradiciones regionales u otra que responde a paradigmas más globales. Así que dentro de mis humildes limitaciones, opté por una vez a querer hacer referencia a las músicas del sur, pero trabajadas dentro de nuestros esquemas jazzeras. 

Asi que ya está. Ahora a avanzar en otra dirección.

Improvisar en forma "libre" vs tocar sobra la "forma" No.2

 Seguna entrada sobre este mismo tema. Por haber estado escuchando el  disco Functional Arrythmias  por Steve Coleman y Five Elements,  me encontré leyendo una extensa entrevista que me pasó Valentin. De la misma manera comparto el link que me envió: 

https://m-base.com/interviews/improvisation-correlation-and-vibration-an-interview-with-steve-coleman/

El documento  está en inglés es larguísimo. Me llevó varias tenidas hasta completarlo. Yo diría lo que a mi me interesó particularmente lo que desarrolla hasta la mitad de su extensión. Steve Coleman es un músico con mucha formación, yo diría un erudito, aunque no es un académico. Polemiza con los académicos, en particular con los que escriben sobre música sin ser músicos. Lo que puedo extraer tiene mucha relación con lo que quise decir en el posteo anterior sobre la "forma" y las restricciones. Para empezar Coleman y el colectivo M-Base , cuyo liderazgo algunos le adjudican, es un buen ejemplo de la deriva hacia la composición que estábamos comentando. Su entrevistador (Johannes Völz) también es bastante astuto, y encuentra formas de repreguntar de un modo que expone contradicciones,  sin contrariarlo, a la vez que lo conduce a exponer gran parte de sus conceptos. Voy a glosar algunas de ellas que vienen a cuento de nuestro tema. Coleman disputa la idea de "libertad", en el sentido que cualquier intento de deshacernos de los condicionamientos culturales que nos habitan. En ese sentido es bastante "lacaniano" en la medida que toda subjetividad se constituye desde un Gran Otro. En lugar de libertad, prefiere la idea de opciones, o de otra manera, que dentro de una matriz determinada por una estructura, se puede optar por llegar a un punto de encuentro por distintos caminos. Otra noción que critica es el ideal de hacer algo "nuevo".  A la vez que le otorga una lugar central a lo epocal, prefiere una idea de originalidad que se entrelaza con la determinación histórica. Desde esa perspectiva, no cree que se pueda ejercer una hermenéutica por donde "entender" lo que se  hizo en el pasado. Toda apreciación de la tradición está teñida por los parámetros que habitan al intérprete en su presente. En ese sentido es notable como su música, a la vez que puede ser de difícil apreciación, remite invariablemente a la tradición africana. El entrevistador le propone comentar el quehacer musical entendido como un lenguaje. Coleman remite todo lenguaje al termino comunicación, a la vez que lo condensa en lo gestual. Ahí me parece que tropieza con cierta ingenuidad respecto de la noción de lenguaje, en la medida que la comunicación es sólo una función del lenguaje. Claramente su intento de teorizar no está fundada en el estudio de la lingüística, y en ese sentido cae en algunas de las fallas que endilga a los teóricos y críticos que escriben sobre música. Pero eso no desmerece su amplio compás discursivo, a la vez que reconoce la necesidad de entender la práctica musical como un craft (manualidad/artesanía) que requiere una laboriosa tarea de aprendizaje, escucha y estudio. Y claramente su música es testimonio no sólo de su análisis conceptual, sino de su esfuerzo en la disciplina musical. 

14-15-16 de Abril. Edición 34 de Jazz en Abril.

 Con bastante atraso, hago esta entrada dedicada al evento que hace 34 años que se realiza anualmente, y que en sus últimas versiones es sostenida por el ímprobo trabajo de Sole Curien, Pablo Espinosa, y Aldo Roldán. Era una ocasión que para mí tenía la misma importancia que Navidad, y que en alguna oportunidad (2001) lo organicé solo aunque en una versión reducida, dada la crisis que en ese momento casi parte al país. Tuvieron la amabilidad de volver a invitarme para esta edición, probablemente por tener en cuenta mi asistencia perfecta en festivales anteriores, pero debí inventar un grupo ad-hoc para presentar ya que no tenía conjunto grupo activo en el momento. Quise aprovechar para volver a tocar un poco de jazz tradicional, y convoqué a Martin Santos (clte) Julián Tavela (banjo) y Martín DeLassaletta (contrabajo) para preparar un repertorio en apenas un ensayo. Contamos con algo de lo que ya tocamos con la banda Bocaguasa, pero tanto Martin Santos como Martin DeLassaletta tuvieron que adaptarse muy rápidamente para ponerse en forma. Así armamos un repertorio de algunos temas clásicos del período Armstrong/Oliver, pero también quise agregar algunos temas de tradición folk o de antecesores del jazz que tomó forma a partir de 1920.  Eso me retrotrajo a a 1974/5 cuando formamos la Criolla Jazz Band. En aquella época hacíamos un intermedio de temas skiffle o folk, en el medio de nuestro set de clásicos. Sin duda yo estaba influido por la filosofía musical de Cacho Rodriguez Jurado, que en lugar de interesarse por el "progreso" buceaba cada vez más atrás en el tiempo, en lo que eran las raíces afroamericanas del jazz. Tengo que remontar un prejuicio del tipo "nunca segundas partes fueron buenas", pero me parece que voy a insistir un poco en esa dirección. Hoy ya desapasionado y, creo, menos afectado por prejuicios, puedo agregar ese color a nuestra paleta. Se trata de investigar un poco en los blues campestres, los cantos de trabajo y los spirituals, con la idea de que todos aportan a lo que es nuestra música hoy. 

Bizarrap y la Biblioteca de Alejandría.

 Mientras me vestía esta mañana miraba un compilado del show de Bizarrap en el Hipodromo de Buenos Aires. Pensé en encabezar este post con el título ¡Bizarrap es un genio! Pero ahora lo dudo. Sin duda el pibe es muy inteligente y sabe manipular los hilos del titiritero. Pero a su vez él es un producto de influencias de las que no creo que sea totalmente consciente. Condensa las tendencias, los movimientos y la cultura que asoma en este milenio. Mercadeo dirigido por Big Data, capitalismo post-industrial, tecnología digital con su nuevo rostro de AI. Propone una experiencia inmersiva, envolvente, de masas que visto desde la perspectiva de las tragedias del siglo pasado, recuerda al nazismo, y refleja algunas premoniciones del cine catástrofe futurista. Ver al público que salta sincrónicamente con el pulso mecánico causa una sensación oscura al sujeto de la vieja cultura. Ahí se prefigura el hundimiento de la tradición griega, la clásica, el iluminismo, la universidad, la ciencia positiva, el optimismo revolucionario de los 60, la zurda combatiente. En su lugar tenemos el Brave New World de la estimulación psicoactiva, dominio absoluto de la imagen, y asoma en mi mente de viejo, el término...debilidad mental. Las letras quizás tengan cierta chispa, pero en general giran sobre lo mismo, jugando con una rima básica. Doggerel, le dicen los gringos. En los videos que proyecta hay algo como una procesamiento que tiene lo que se puede pensar como ironía sobre una sociedad en transición. No sé....Donde queda nuestro jazzito?. Quizás refugiado en la catacumba de Ecem.,,,A lo mejor pase como con la biblioteca de Alejandría, y que apenas queden unos restos fragmentarios...estudiados por perplejos arqueólogos del futuro.

Improvisar en forma "libre" vs. tocar sobre la "forma"

 El título sólo intenta encuadrar el tema en un lenguaje simple, aunque equívoco. En primer lugar nunca se es tan "libre" , tocando, asociando, o escribiendo poemas. Hay una determinación que se entromete, por más que nos ilusionemos románticamente con la libertad. Por otro lado, por más que se pretenda la más extrema espontaneidad, lo inusual, lo imprevisible, eso, una vez realizado, tiene una forma. Prefiero adoptar una terminología algo más ajustada. Podría ser lo no-reglado en oposición a lo reglado.  Por cierto hay maneras de hacer arte que responden muy estrictamente a reglas, y otras que pretenden romperlas. Algunos pueden pensar que es el modo en que se "progresa" en el arte. En el constante movimiento hacia la disolución de las constricciones estilísticas, se piensa que se evoluciona hacia formas más actuales. Se trata en realidad de un debate complejo, en la que intervienen otros factores: epocales, de tendencia o de moda. Otro modo de pensarlo es que en los distintos paradigmas estéticos, se manifiestan distintos modos del goce estético.  Nuestra constitución subjetiva nos hace sensibles a ciertos modos de experimentar placer y nos cierra el acceso a otros. O mejor dicho, preferimos tener cierto "gusto" y nos negamos a acceder a otro. Intervienen factores de historia personal, contexto, o ambientes culturales.  No se trataría de que unos fueran mejores que otros, pero si que son diferentes. Es un tema que excede los límites del jazz, o de la música en general. Pero en lo que hace al jazz es casi inevitable preguntarse por la dirección hacia donde se orienta aquello que insiste con esa denominación, aunque alberga música tan distinta con el paso de los años. Personalmente rindo homenaje a los estilos antiguos, a los modos originarios de tocar jazz, básicamente porque fue mi primer acceso a él, y creo que conserva el germen de todo lo que se hizo después. Pero disiento totalmente con los talibanes que denostan  todo lo que se hizo después de 1930, y ni hablar de lo que se toca hoy en día. Me topé con una entrevista que le hacen a Wynton Marsalis en el año 2000 (ref  JazzTimes; Marzo 200) donde le preguntan por acerca de donde cree que se dirige el jazz en el nuevo milenio. A Wynton se lo considera más bien conservador, y por cierto que insiste en diferenciar lo que considera jazz de lo que califica como formas híbridas.  Una definición suya es que en lo que se considera free, la posibilidad de cambio (o "evolución") está limitada.. No deja de tener una mirada algo despectiva, comparando la libre improvisación con el laleo de un grupo de niños que aún no dominan el lenguaje. Pero de concederle posibilidad de crecimiento, no cree que pueda experimentar mucho cambio en 50 o 60 años. Por cierto que lo que se toca hoy en ese rubro no es muy diferente de lo que yo escuchaba en Europa en la década del 70. La cuenta es bastante exacta....50 y pico de años. En cambio aquello que se rige por ciertas normas, o estructura, puede adquirir distintas manifestaciones. Cuando le piden que adivine lo que va a pasar, sugiere que habría menos pasajes solistas, menos improvisación y un vuelco hacia la composición. Y creo que eso se verifica en lo que hacen los músicos del pelotón de punta hoy en día. Por otro lado rescata un término que usaba Duke Ellington, que hablaba de total jazz, queriendo significar que se apele a todos los recursos disponibles, sin dejar de lado ni la estructura ni los intentos por romper moldes pre-establecidos.  

Pero volviendo a la mal llamada "forma", que también podríamos llamar normativo, o reglado, yo creo que aquello que implica restricciones, ofrece una gran posibilidad de cambio. Tomemos por ejemplo el juego de ajedrez, donde las piezas sólo pueden moverse de determinada manera. El resultado es el de casi infinitas combinaciones, y que una partida sea siempre diferente a otra. Los modos de inicio y de cierre son motivo de complejos estudios, y siempre aparecen novedades de las jugadas de sus grandes maestros. Se puede recurrir a ejemplos en el terreno de la literatura y la poesía. Existe el verso "libre" y por otro lado expresiones rígidamente pautadas como son las formas clásicas de los sonetos, o las sextinas, que dictan formas complejas de establecer rimas, o las célebres medidas de endecasílabas. En los tiempos que corren existen otros modos de establecer restricciones. En un artículo de Horacio Martinez, (ref: Relaciones entre la literatura potencial y el psicoanálisis lacaniano) pub. en el IX Congreso Int. de Psicología) donde cita al grupo OuLipo de 1960, surgido de un seminario sobre Raymond Queneau. Sus integrantes se propusieron explorar las posibilidades potenciales del lenguaje, a partir, justamente, de restricciones. Así surgen producciones literarias que multiplican sus posibilidades del clásico soneto en una combinatoria que sigue un modelo matemático.  Otro ejemplo que cita es la de la novela de George Perec. que escribe una novela en la que omite sistemáticamente la letra E.

En conclusión, todo bien con la ilusión romántica de la libertad. No abandonemos el imaginario de la creatividad y apostemos a alguna versión de la inspiración para hacer obra, pero personalmente prefiero moderarla, o combinarla con la restricción que implica un cierto modo de composición. 

8-4-2023 - Ritmo Vol IV- en Ecem

Las reuniones denominadas Ritmo en Ecem consisten en la presentación de algún propio del colectivo, para luego dar lugar una jam a la que están invitados todos los músicos que quieran participar. El sábado pasado produjimos su cuarta versión, en la que actué de anfitrión. Mi rol consistió en presentar dos grupos "sorpresa" para abrir la jornada. En primer lugar tocamos unos temas con el cuarteto de jazz tradicional que armé con el objetivo de sumarme al Jazz en Abril de este año, que comienza en pocos días. Luego tocamos unos standards en trío junto a Julián Maliandi (gtr) y Valentin Garvie (tpt). Obviamente mi rol en el trío fue exponer el tema y no mucho más, ya que los otros dos despliegan todo tipo de recursos que me superan ampliamente. Por otro lado fue divertido tocar un poco de jazz tradicional en el hall, una música un tanto dejado de lado por la cultura Ecem, más volcado a lo experimental y contemporáneo. 

Un detalle que realzó el evento fue que el amigo Horacio Sauce cocinó y sirvió pizzas, con lo que aumentamos significativamente la recaudación de la noche. 

Arranca 2023

 Sólo unos rápidos apuntes. Se me escurre el tiempo para dedicarle a una blogosfera que dicen que está en decadencia. Por cierto las plataformas sociales le han quitado espacio. Pero fuerza! a escribir un poco.

lOs cArLiToS insisten. Cumplimos cinco fechas en forma de ciclo semanal durante Enero en Ecem. Toda la familia vino...no muchos más, pero suficientes para tener público en nuestro subsuelo húmedo. Todo fue una suerte de preparación para grabar un nuevo repertorio. Efectivamente pudimos grabar Home Town Studio el 2 de Marzo. Fue casi todo en primera toma, salvo un par de pinches. Dos tomas largas que contienen tres temas cada una. Terminamos a tiempo para ir a celebrar con unas enormes milanesas en Manolo´s . Ahí decidimos que el título del nuevo "album" será Return to Carlitos. Me encantó el nombre porque nuestra grabación anterior, que se llamaría Los Carlitos Románticos, todavía no fue editado, en parte porque no estuve muy conforme con el resultado. Cuando se grabó yo emergía de un covid y al mismo tiempo estaba por salir de viaje, y no estaba del todo concentrado. 

Ahora el grupo estará en reposo, porque nuestro baterista y motivador Luciano Monte, se embarcó en un crucero que lo mantendrá alejado de Mar del Plata 6 meses.

Soledad Curien insiste con organizar el festival Jazz en Abril.  Gentilmente me ha vuelto a invitar, y cumpliendo con el perfil más clásico del festival que tantos años llevó adelante Ferio Espinosa, me propuse contribuir con un cuarteto de jazz tradicional, una especie de Bocaguasa reducida. Veremos que resulta....

Cerramos 2022.....¿termina este blog también?

 Así es.....culmina este extraño año 2022 post-pandémico. Ecem aguantó en su nueva sede, aunque el futuro es incierto. Se hizo el festival con una programación interesante y un par de figuras y grupos internacionales que le dio relieve. Los Carlitos grabaron un 5to disco, que quisimos llamar de "Románticos Latinos" para ironizar sobre nuestro repertorio latino-americano. Por ahora sigue en los archivos de ICM, no estoy seguro de que queramos lanzarlo... Aunque no creo que tenga mucha importancia de una forma o de otra. Ya estamos trabajando un repertorio nuevo, que vendría a constituir nuestro 6to "disco", y estoy más contento con nuestro regreso a una mezcla de composición con impro aleatorio, que siempre fue nuestra marca. Tuve la suerte de juntarme casi semanalmente con Ornella Contreras, nuestra nueva pianista estrella. De esas reuniones salió un extraño repertorio de ragtime, jazz vintage y standards. Tuvimos oportunidad de tocar en público un par de veces, Ornella no tiene techo. Yo tengo que luchar para estar a la altura. Pero celebro poder tocar un poco de jazz temprano con alguien que tiene la maravillosa posibilidad de poder tocar con los parámetros de la época presente, pero consciente del valor de lo pasado.

Ah....otro experimento fue armar un "taller de brass" que funcionó unos tres meses con el objetivo de llegar al festival. El repertorio esta vez iba a ser totalmente propio, con una estética más parecida a la de las actuales brass band en New Orleans. Efectivamente llegamos a tocar al aire libre....pero para ese momento agoté mi entusiasmo. También habrá que ver si logro reiniciar algo de eso.

Otra nota un poco preocupante es que en el blog parecieran abundar las noticias de fallecimientos. Supongo que es algo inherente al paso del tiempo, aquello de que los que nos ponemos grandes vamos viendo como se despiden los coetáneos. Es que una noticia triste de este año ha sido el fallecimiento de Enrique Norris. Fue un músico que siempre me intrigó, y con el cual sentía una fuerte afinidad, cuyas causas no puedo identificar ahora. No puedo compararme con su perfil, él fue un profesional de la música, y llegado a CABA de su Rio Cuarto natal, se fue ubicando en un lugar central de el jazz de riesgo y creativo. Pero era alguien totalmente alejado de todo efectismo. Recuerdo que la primera vez que lo escuché fue en una grabación del grupo de Alejandro Herrera. Ahí lo escuché negociar con total fluidez las exigencias de las composiciones de Alejandro, partes difíciles que yo nunca pude abordar. Pero claramente la estética de Enrique no se adaptaba al jazz fusión noventoso. Ya fuera tocando piano o corneta (si, corneta, ya por eso sólo me causaba admiración) demostraba que el arte florece en la sencillez, no no en la hiperinflación técnica. Su partida ha sido prematura, causada quizás por no resistirse a tratar ese tumor que apenas podía disimular con su barba o en los últimos tiempos, con una capucha monástica. Feliz viaje, querido y admirado Enrique.

2022

 Tempus fugit.  Pensar que la última entrada en el blog fue en Octubre del 2021.  Se mezcla mi indolencia con la agitación de un cierre del año muy complicado. También parece que la misma plataforma blog viene perdiendo vigencia. Hoy pareciera que las redes han ido mutando de facebook a instagram...y la tendencia es cada vez a menos palabras y más imágenes. 

Sin embargo voy a intentar seguir posteando, aunque sea en forma intermitente, porque quiero que al menos quede algún registro de nuestra actividad. Nunca se sabe, algún día alguien querrá consultar acerca de cosas que ocurrieron en el pasado, y no abundan las fuentes directas que den cuenta de la actividad jazzera en nuestro medio.

Para comenzar habría que registrar que en Diciembre se realizó la 11va edición del Festival de Jazz de Mar del Plata, y esta vez se pudo realizar de un modo más parecido a ediciones anteriores, dada la curva descendiente de la pandemia. Todo comenzó con una recorrida placera con nuestra Bocaguasa ambulante, que luego desembocó en un encuentro insólito con un grupo de músicos y bailarines que tocaban y bailaban música libremente improvisada en la Diag. Pueyrredón. (idea arriesgada de Martin DeLassaletta)

 Los Carlitos tuvieron su set en el escenario armado en la Plaza Mitre, y luego hubo un sinfín de bandas programadas. No puedo dejar de mencionar el Octeto de Valentin Garvie que fue quizás la propuesta más arriesgada del festival. 

Ni bien se apagaron los sonidos del festival ocurrió un hecho que quizás sea histórico. Los miembros de ECEM decidimos mudarnos a una sede mucho más grande, y cambiar nuestro nombre de Espacio Colectivo de Enseñanza Musical a Espacio Colectivo de Experiencias Musicales. 

La nueva sede está ubicada en la calle La Rioja 2065, apenas a la vuelta de la esquina de nuestra casa anterior. De un lugar íntimo, chalet vintage con un pequeño espacio para aulas y recitales, pasamos a un edificio gigantesco, que hace muchos años fue conocida como la Alianza Francesa. Ahora contamos con una sala con piso de madera y escenario teatral, y varios espacios aledaños que servirán de aulas, un sótano, y un piso superior. La mudanza se hizo a fines de Diciembre, e implicó un enorme esfuerzo de todos, no sólo para trasladar las cosas, sino para pintar y adecuar el nuevo lugar. 

La segunda semana de Enero marcó la inauguración, en la que tuvimos el honor de tocar en dúo con Ornella Contreras , y luego con todos los demás músicos del colectivo en una jam inaugural.

Desde ese día se ha sostenido una programación frecuente que intenta ampliar el margen estricto de jazz experimental a la que nos habíamos dedicado hasta ahora. De modo que hay noches de folklore, de tango y milonga, flamenco etc. El desafío es no perder el perfil, pero tenemos urgencia por establecer el lugar y recaudar para pagar un alquiler que es casi desproporcionadamente superior a lo que estábamos acostumbrados. 

De modo que más que música hemos estado pintando, limpiando, atendiendo la barra, en lugar de tocar mucho. Sin embargo una fecha interesate que compartimos con Valentin, ya que nos convocaron Santiago Lacabe (dr)  y Pablo Vazquez (dbass) para compartir un material que tocan en un trío llamado Libertré que se completa con mi ídolo, el cornetista Enrique Norris.  Él no podía venir a mdq porque debió viajar a Río Cuarto con una situación de salud de su madre. Suplantar a Enrique fue un gran honor, y además la oportunidad de compartir música con mi hijo vuelve a ser un privilegio que valoro muy especialmente. 

La temporada va culminando mientras tratamos de cerrar las cuentas del Ecem, y no ha habido muchas tocadas salvo una organizada por Félix Barone en una noche gélida al aire libre en la Torre Tanque donde debí negociar los cambios difíciles de Nefertiti y Time Remembered. En contraste, el fin de semana pasado (Sábado 12/2/22) hicimos una fecha con temas clásicos y simples con el dúo de pianos formado por Félix y Fernando Romeo, y en trompeta el visitante ilustre Américo Bellotto. También fue al aire libre, en los jardines de Villa Victoria, esta vez el clima fue más cálido. Debo decir también que el formato de dos pianos y dos trompetas era original y daba lugar a un jazz más caliente. Gracias a Sole Curien, Pablo Espinoza, y Aldo Roldán, que gestionaron la fecha.

Astor reinciado

  30 de Septiembr.-Teatro Auditorium - Ciclo Piazzolla bonaerense-diálogos contemporáneos. PIZZLL 21 - Nicolás Passetti (arreglos-dirección-  Str- bass)-Leo Cubiella (bdn)- Ornella Contreras (pno-tecl) Lucho Monte (drs) Mario Balestena (electronics)

Luego de la pausa pandémica, volvió el ciclo dedicado a retomar la música de Piazzolla.  Les cuesta mucho a los herederos del genial bandoneonista escaparse de su modo de componer, el sonido de sus grupos, su gesto tan particular. Justamente el objetivo del ciclo es romper con esa esclavitud, recuperando el maravilloso legado de Astor, pero lanzándolo en una dirección nueva, que él seguramente habría aplaudido.

Es precisamente lo que logró Nicolás Passetti con su grupo. La idea general fue tomar el período "electrónico" de Astor, un desafío particular,  justamente porque una mera repetición sonaría datado y falto de interés. Con la participación de dos muy jóvenes y noveles intérpretes como Contreras y Cubiella, más la intervención desde la computadora de Balestena, lo que más impactó de esta presentación fue su frescura. En gran medida el contrabajo de Passetti funcionó de un modo iusual, liderando la agrupación, y la excelencia de Monte en la batería terminó conformando un resultado innovador e inesperado, sin dejar de constituir un homenaje al gran innovador de la música de Buenos Aires.

Sábado 28 de Agosto 2021- Dos dúos. (O. Contreras Federico - Viceconte & O.Contreras -E. Garvie). S.U.M del ECEM.

 Dos o tres días antes de la fecha, publiqué el siguiente texto en facebook:

"Sigan de cerca a Ornella Contreras si quieren ver lo que se viene en el jazz marplatense. Ella encabeza una nueva generación que viene a insuflar energía y renovación a nuestro movimiento. La estaremos acompañando Federico Viceconte, músico vigente si los hay, y yo, que estoy más cerca del arpa que de la corneta. Será conformando dos dúos, a los que seguramente se sumará Martín DeLassaletta en algún momento, que no se quiere perder esta epifanía. Llamen con tiempo, nuestro aforo todavía es limitado"

Efectivamente, es lo que pienso de Ornella, a quién tuvimos como becaria en Ecem hace unos dos años, cuando todavía no había terminado el colegio secundario. Da cierto orgullo de....no sé....padrinos, tíos, vaya a saber, que hayamos podido alentar su prometedor futuro.